TOILETTES. Domaines - Histoire

TOILETTES. Domaines - Histoire

TOILETTES. Des champs

1879- 1946

Acteur

WC Fields est né à Darby en Pennsylvanie le 29 janvier 1880. Il a quitté la maison pour se produire. En 1905, Fields fait ses débuts à Broadway dans une comédie musicale, L'arbre à jambon. Du vaudeville au cinéma, William Claude Fields (à l'origine Dukenfield) a occupé une place particulière dans les annales du divertissement américain. Connu pour son personnage de scène du misanthrope cynique et buveur, l'image de Fields évoque toujours des sourires de reconnaissance.

Certains de ses films les plus mémorables incluent Vous ne pouvez pas tromper un homme honnête (1939) et Ma petite mésange (1940, avec Mae West)


(Travalanche)

C'était une belle journée à New York pour les WC d'hier. Fields History Walk, dirigé par Kevin Fitzpatrick, qui s'est concentré sur les endroits où W.C. Fields a vécu, travaillé et recréé dans le quartier de Broadway. Tout cela fait partie du Fields Fest, notre célébration de deux mois de la vie et de la carrière de Fields. Voici quelques-uns des endroits où nous nous sommes arrêtés.

Trav S.D. et Kevin Fitzpatrick, avant de commencer la tournée à Shubert Alley.

Fitzpatrick éduque les foules sur le Grand Homme.

Ce bâtiment était autrefois l'hôtel Markwell, le dernier endroit où Fields a vécu avec sa femme Harriet et son fils en bas âge Claude en 1905 avant que les pressions du show-business n'entravent finalement le mariage. C'est aujourd'hui une résidence-services.

Le Palace Theatre, fleuron du grand vaudeville d'hier et d'aujourd'hui. Fields est apparu ici sur un billet avec Sarah Bernhart en 1913 alors qu'il était encore jongleur.

Le New Amsterdam Theatre, qui abrite le Les folies de Ziegfeld, alors et maintenant. Les champs sont apparus dans les éditions 1915, 1916, 1917, 1918, 1920, 1921 et 1925 du Folies, ainsi que l'édition de 1919 de Les ébats de minuit de Ziegfeld et l'édition 1920 de Ziegfeld’s Nine O’Clock Revue. Apprenez-en plus sur ces spectacles et sur les autres spectacles de Broadway de Fields ici.

La façade du centre-ville du Lyric Theatre, qui comprend actuellement les anciens Lyric Theatres et Apollo Theatres. L'Apollo était le site de l'émission à succès de Fields Coquelicot. (Naturellement, c'était un Apollo différent de celui de Harlem.)

Anciennement l'hôtel Astor, où des gens comme Fields s'inclinaient après le spectacle.

Le Globe Theatre (maintenant appelé le Lunt–Fontanne), où Fields est apparu dans Les scandales de George White de 1922.

Hammerstein’s Theatre, site du dernier spectacle de Fields’ à Broadway Battage (1930). Aujourd'hui, c'est le théâtre Ed Sullivan, où Le Late Show avec Stephen Colbert est produit. Si Fields n'avait vécu que deux ans de plus, Sullivan aurait pu le présenter dans son émission de télévision.

C'était juste un arrêt sympa en cours de route. J'ai dû passer mille fois par ici sans jamais m'en apercevoir. Israel Miller était le cordonnier des stars au tournant du siècle dernier. En 1929, un concours a eu lieu au cours duquel les participants ont voté pour les quatre actrices américaines les plus appréciées. Les statues des gagnantes (Ethel Barrymore, Marilyn Miller, Mary Pickford et Rosa Ponselle) ont été créées par Alexandre Stirling Calder (père du sculpteur moderniste le plus connu) et installé dans la façade du bâtiment.

La visite s'est arrêtée à Flute Midtown, site du Texas Guinan's Speakeasy et ancienne maison de Wit's End, où votre correspondant s'est récompensé avec le cocktail au champagne signature de la maison, infusé de gingembre et connu sous le nom de "Intime" 8221 en l'honneur du club de Guinan. C'est un travail difficile, mais quelqu'un doit le faire ! Et de toute façon, nous avons dit un toast à W.C. Des champs! Pour plus d'informations sur les événements à venir du Fields Fest, cliquez ici.

Découvrez-en plus sur cette tournée dans les semaines à venir dans l'émission Web Classic Movies and More, animée par Rob Medaska.


TOILETTES. Fields Broadway & Visite de l'histoire du vaudeville

Promenez-vous dans la vie new-yorkaise de l'acteur et comédien W. C. Fields de 1905 aux années folles. Marchez sur les traces du grand artiste et découvrez les lieux associés à sa vie avant qu'il ne se rende à Hollywood. Si vous êtes un fan de vieilles histoires de théâtre et de films muets, cette visite est faite pour vous.

Des visites privées sont disponibles lorsqu'aucune visite publique n'est prévue. Contactez Kevin Fitzpatrick pour organiser une visite charter pour deux à trente personnes.

TOILETTES. Champs & Madge Kennedy dans Poppy.

La visite donne un aperçu de l'histoire des artistes de Broadway, de Vaudeville, de New York et de Times Square. L'histoire de la Prohibition, la grève des acteurs de 1919, la montée et la disparition du Vaudeville et les histoires colorées des Ziegfeld Follies sont également passées en revue.

La promenade se termine généralement dans un ancien bar clandestin qui appartenait autrefois à Texas Guinan, pour des cocktails très ressemblant à Fields.


Notre histoire : Comédien W.C. Fields s'appelait autrefois la maison de Bayside

En janvier, l'American Museum of the Moving Image a présenté une rétrospective célébrant la carrière d'un maître comédien, W.C. Des champs. Génie de la comédie à l'écran, Fields a commencé sa carrière en tant qu'artiste de salle de variétés et est devenu connu pour son humour acerbe ainsi que son nez bulbeux et sa voix traînante. Cependant, les comptes rendus de l'événement du Musée ne mentionnent pas que Fields était autrefois un résident du village de Bayside et que certains de ses premiers films muets ont été tournés ici. L'un a été filmé sur Bell Avenue (l'ancien nom de Bell Boulevard d'aujourd'hui) devant la maison d'enfance de mon mari près de la 48e Avenue, qui servait de toile de fond et il était présent, assis sur la palissade devant laquelle les caméras étaient prêtes.

TOILETTES. Fields est né Claude William Dunkenfield en avril 1879 à Philadelphie. À un jeune âge, il s'est enfui de chez lui, a eu quelques démêlés avec la justice pour des petits larcins et s'est en quelque sorte tourné vers le vaudeville. Souvent présenté comme « le plus grand comédien du monde », il préférait être connu comme le « plus grand jongleur du monde » et c'est en tant que jongleur comique qu'il s'est fait une réputation au début. Il a rejoint les Ziegfield Follies en 1915 et est apparu plus tard dans les scandales de 1922 avant de réaliser "Sally of the Sawdust", réalisé par le célèbre D.W. Griffith.

Pendant le tournage, Fields a improvisé une grande partie de son matériel. Cependant, il a écrit les scénarios de plusieurs de ses films en utilisant divers pseudonymes. Il est apparu avec Baby Leroy dans “It’s a Gift,” l'un de ses véhicules détestant les enfants, et a joué des rôles aussi variés que le mari de Zazu Pitts’ dans “Mrs. Wiggs of the Cabbage Patch. En tant que "Great McGonigle" il a joué un autoproclamé acteur-directeur du début du siècle dans un théâtre de mélodrame.

La vision misanthropique de Field sur le monde, reflétée dans ses films, découlerait, selon certains, de ses expériences de jeunesse dans les rues les plus sordides de Philadelphie.

À 21 Fields était une star internationale de la jonglerie. Après avoir joué dans Ziegfield's Follies en 1914, il a réalisé son premier film, "Pool Shark", basé sur l'un de ses actes les plus célèbres.

Fields a eu une carrière erratique dans les films muets, mais a pu devenir une célébrité avec l'arrivée du son. Sa personnalité comique et ses observations sur la vie se mariaient bien avec son nez bulbeux et ses yeux larmoyants alors qu'une calamité étrange se profilait à l'horizon.

Ses meilleurs films, “Million Dollar Legs” (1936), “You Can’t Cheat an Honest Man” (1939), “My Little Chickadee” (1940), “The Bank Dick” ( 1940) et "Never Give a Sucker an Even Break" (1941), ont fait de lui l'une des stars les plus populaires de son temps.

L'un des choix de casting les plus inspirés a été la décision de la MGM d'emprunter Fields à Paramount pour jouer Micawber dans "David Copperfield", bien que le réalisateur George Cukor ait eu beaucoup de mal à persuader Fields que le jonglage ne pouvait pas être intégré au scénario. Malgré tout, ce grand acteur a laissé l'empreinte unique de sa personnalité sur le film.

Au début du 20e siècle, Bayside, avec sa position privilégiée à proximité du centre névralgique de New York et situé dans un endroit à la mode sur Little Neck Bay, a attiré un groupe de riches stars et cadres de l'industrie cinématographique en pleine expansion. Bien avant Malibu, ce village est littéralement devenu une colonie de cinéma. Parmi les nouveaux riches figurait Fields qui vivait à deux pas de Joseph Schenk, le producteur de films, et de sa femme actrice de cinéma, Norma Talmadge. La maison de Fields est toujours debout, mais elle ne descend plus jusqu'à la plage comme autrefois, car la propriété a été séparée du rivage lors de la construction de la Cross Island Parkway.


Né le 29 janvier : W.C. Des champs

TOILETTES. Fields (né William Claude Dunkenfield à Darby, Pennsylvanie, le 29 janvier 1880) était un célèbre comédien, acteur de cinéma et star de la radio au cours de la première moitié du 20e siècle.

Fields a appris à jongler dès son plus jeune âge et s'est enfui de chez lui, pour finalement décrocher du travail, divertir les foules et se faire un nom dans le vaudeville. Bien qu'il ait commencé par un numéro de jonglage essentiellement silencieux, il a commencé à ajouter des apartés marmonnés, un shtick qui deviendrait l'une de ses nombreuses marques de commerce comiques.

Il faisait partie des Ziegfeld Follies à 25 ans et s'est lancé dans des films muets avec des rôles qu'il a souvent écrits pour lui-même.

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Lorsque les « talkies » sont arrivés, Fields a affiné sa réputation au cinéma en tant que personnage traînant et acariâtre qui aimait beaucoup plus sa boisson que son prochain.

À la radio, Fields est devenu un fleuret régulier échangeant des répliques acrimonieuses avec le partenaire factice du ventriloque Edgar Bergen, Charlie McCarthy.

Il a réalisé ses films les plus populaires pour Universal Studios dans les années 1940, notamment Ma petite mésange avec Mae West, la banque dick, et Ne donnez jamais une chance à une ventouse. Sa santé déclina à partir de ce moment et Fields mourut à l'âge de 66 ans le 25 décembre 1946.


W. C. FIELDS - LETTRE AUTOGRAPHE SIGNÉE - HFSID 283831

W.C. CHAMPS
Lettre autographe de trois pages à sa maîtresse Carlotta Monti, signée par Fields comme « Continental Claude », appelant Hitler « plein de mierda » et confiant, « comme les trois singes, je ne vois rien, ne sais rien et ne boirai rien sauf Bière."
Lettre autographe signée : "Continental Claude", 3 pages, 8½x11. Bel Air, fête du travail. A "Katrinka & Claudia". ["Katrinka" était le nom de famille de Fields pour Carlotta Monti.] En entier : "Je suppose que vous vous demandez pourquoi vous n'avez pas encore reçu votre packard. Et dire à vos amis que je ne suis pas un homme de parole. Donnez-moi du temps et je peux tout expliquer. Pratiquement toutes les nations seront en guerre au moment où cette missive arrivera. Mais vous, malheureusement pour vous-même, avez soutenu que le monde entier serait en guerre. C'est alors que j'ai accepté votre pari "Je parie que le monde entier sera en guerre d'ici 1940. Sinon, donnez-moi un packard. C'était un pari fait en toute équité. J'oublie ce que je devais recevoir si tu avais perdu. Cependant tout est juste dans quelque chose ou autre et la guerre. Je paierai si ça devient vraiment sérieux. Je crois fermement que ce sera de courte durée, auquel cas vous recevrez un petit packard. Hitler est plein de « mierda » [espagnol pour « merde »] et ce qui est malheureux pour lui, c'est que c'est principalement dans son cou et qu'il peut le goûter. J'espère que vous avez une radio pour ce sont des choses historiques et mémorables que vous ou quelqu'un d'autre ne devriez pas manquer ou être intéressé et tenu au courant des nouvelles. C'est pourquoi vous avez trouvé un chèque de 30 [1 mot illisible] pour acheter une 'Mission-Bell' portable. Je reste à la maison aujourd'hui pour éviter le carnaval - les foules itinérantes. J'ai mes portes fermées et verrouillées et tout le monde doit sonner et s'annoncer. M. Roberto Howard vient de sonner - bon dieu, il est là. Katrink, il n'y a rien de nouveau, je te fais parler à Charlie ou mets leur réponse à mes lettres par écrit. Si vous ne signez pas l'affidavit, tout va bien. Je ne vous blâme pas de ne pas vouloir vous mêler de cette affaire nocive. Je vais comprendre. Tilly et John ont dit qu'ils auraient pu gagner ma cause la dernière fois. Je leur ai demandé s'ils allaient témoigner cette fois mais ils ont refusé et je ne blâme personne de ne pas vouloir que leur nom soit associé à Citron. [Fields change de stylo ici.] Tout est très calme en ce moment. Mais je m'attends à des feux d'artifice aujourd'hui. Dans ce cas, je vous écrirai tous les détails. Portez-vous bien et heureux. Little Jay était ici hier pour faire son monologue sur un disque qu'elle souhaite passer à la radio comme je l'ai expliqué dans une lettre envoyée. Elle a eu une « crise » avec son mari qu'elle aime beaucoup et qui a le cœur brisé. Elle est très intelligente et aimerait avoir des conseils. Mais je suis guéri - comme les trois singes, je ne vois rien, je ne sais rien et je ne boirai rien à part de la bière. Il est maintenant un peu plus tard et Mike vient d'arriver aussi votre lettre. Vous n'avez pas demandé à être mon interprète, c'est ma réponse. Tu as dit qu'Andrew pouvait parler espagnol ! Rien de plus intéressant. Continuez à leur taper dessus. Mickey me rejoint au mieux comme Jay l'a fait hier. Comme toujours". Nez rouge, voix graveleuse, qui frappe la bouteille L'humoriste américain W.C. Des champs (1880-1946), né William Claude Dukenfield, a commencé sa carrière cinématographique dans le muet. Il plus tard excellé dans des films tels que David Copperfield (comme Micawber), My Little Chickadee (avec Mae West) et The Bank Dick. Le vétéran du vaudeville, qui apparaît dans toutes les versions des Ziegfeld Follies de 1915 à 1921, tourne son dernier film, Sensations of 1945, en 1944. Fields, marié à Harriet "Hattie" Hughes en 1900, se sépare d'elle en 1904, mais elle ne lui accorderait jamais le divorce. La maîtresse de Fields de 1932 jusqu'à sa mort était la starlette Carlotta Monti, la "Katrinka" de cette lettre. Elle a écrit un mémoire révélateur en 1971, qui a servi de base au film de 1976, W. C. Fields and Me. Des recherches supplémentaires seraient nécessaires pour identifier toutes les personnes nommées dans cette lettre, mais Fields venait de terminer une procédure judiciaire. Après avoir refusé de payer une facture d'hôpital de 12 000 $ à partir de 1936 (grande pour l'époque), il a été poursuivi par les médecins. Un premier procès a confirmé la réclamation complète des médecins, mais un second, conclu en 1939, a réduit la responsabilité de Fields à 2 000 $. L'affirmation de Fields selon laquelle la prédiction de Monti concernant toutes les nations en guerre d'ici 1940 ne s'était pas réalisée, plaide en faveur d'une date de 1940 pour cette lettre. Cependant, la référence de Fields à un procès inachevé - résolu à la fin de 1939 - fait valoir que la lettre a été écrite le jour de la fête du Travail cette année-là. Plis d'envoi horizontaux et verticaux, un par le "o" dans "Continental". Quelques légers plis et virages, ¼" encoché dans la marge supérieure dans le pli central sur les deux premières pages, page 3, ¾" déchirure dans la marge supérieure gauche, ½" déchirure dans la marge supérieure dans le pli vertical, ¼" déchirure dans les marges gauche et droite pli horizontal, trous d'usure dans le pli vertical. La première moitié du texte est plus claire que l'autre moitié.

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'W. C. Champs'

La comédie, dirait Bill Fields, est la vérité - un peu de réalité artistique, exprimée en action ou en paroles, soigneusement exagérée et amenée à une finition surprise. Fields ne pensait pas que la mécanique d'un bâillon comptait pour la moitié autant que l'âme qui se cache derrière. Vous pourriez faire rire un public consentant pour presque tout, mais un gag ne serait pas mémorable sans le plaisir de la reconnaissance humaine.

La comédie proposée par Fields a atteint son apogée avec un modeste film de soixante-sept minutes intitulé It's a Gift. Il y incarne un homme travailleur, assailli par les frustrations de la vie, attentionné et respectueux d'une famille qui ne l'apprécie plus. Il rêve ses rêves en privé. Il n'est ni brillant, ni aimable, ni même admirable, mais sa dignité ne le quitte jamais et, finalement, il triomphe autant par la chance que par la persévérance. Lors de sa sortie, en novembre 1934, It's a Gift était un événement mineur, destiné à une rapide éliminatoire dans ce que Variety appelait "les nabes". Fields, âgé de dix-huit mois, et son ouvrage, qui étaient en construction depuis dix-huit mois, ont soudainement éclaté. Andre Sennwald, écrivant dans le New York Times, a qualifié la légion croissante de fans de Fields de "quotidolaters" et, bien que pas nécessairement un lui-même, il a conclu son avis en balayant tout doute que l'une des grandes comédies du so! une ère était arrivée. "Le fait est que M. Fields est revenu vers nous, et It's a Gift devient automatiquement la meilleure comédie à l'écran sur Broadway."

Comme Fields l'a souligné, l'attrait de son personnage était enraciné dans les caractéristiques que le public voyait en lui-même. "Vous avez entendu la vieille légende selon laquelle c'est le petit gars qui fait rire, mais je suis le gars le plus belliqueux à l'écran. Je vais tuer tout le monde. Mais, en même temps, j'ai peur de tout le monde, juste une grosse brute effrayée. Il y en a beaucoup dans la nature humaine. Quand les gens se moquent de moi, ils se moquent d'eux-mêmes. Ou, au moins, le prochain gars."

Comme Mark Twain, Fields pensait que l'humour venait naturellement de la tragédie et qu'il était normal et donc acceptable de mal se comporter lorsque les choses tournaient mal. L'une des séquences clés de It's a Gift montre un vieil aveugle qui dévaste le magasin général Fields avec sa canne. Par la suite, Fields l'envoie dans une rue animée, où il est presque écrasé par la circulation. "Je n'ai jamais rien vu de drôle qui ne soit pas terrible", a déclaré Fields. "Si ça fait mal, c'est drôle si ça ne le fait pas, ça ne l'est pas."

« J'ai été le premier comique de l'histoire du monde, m'ont-ils dit, à me battre avec des enfants. J'ai démarré Baby LeRoy. Les non-hommes sont encore pires que les oui-hommes ont secoué la tête et ont dit que ça n'irait jamais, les gens ne le supporteraient pas. puis, sur une autre photo, j'ai donné un coup de pied à un petit chien. Les No-men ont dit que je ne pouvais pas faire ça non plus. Mais j'ai eu de la sympathie les deux fois. Les gens ne savaient pas ce que le bébé ingérable pourrait faire pour se venger, et ils pensaient que le chien pourrait me mordre.

Le caractère complice et sournois développé par Fields a attiré l'imagination du public à une époque où la nation était plongée dans les affres de la Grande Dépression et où la vente d'alcool était toujours interdite par la loi. Il est apparu sur la scène comme l'incarnation de la mauvaise conduite publique, un homme moins en désaccord avec l'autorité qu'en ignorant complètement celle-ci. Il buvait parce qu'il aimait ça et trichait aux cartes parce qu'il était doué pour ça. Fields n'était pas un mauvais genre, mais plutôt un retour à une époque où de tels comportements étaient parfaitement inoffensifs et le gouvernement n'était pas aussi paternaliste. Harold Lloyd l'appelait "le plus grand comédien américain", et Buster Keaton le considérait, avec Charlie Chaplin et Harry Langdon, comme le plus grand de tous les films comiques. "Sa comédie est unique, originale et déchirante."

Fields a eu le courage de se jeter sous la lumière décidément défavorable d'un tyran et d'un escroc. Il n'a pas seulement résumé les frustrations de l'homme ordinaire, il a fait quelque chose à leur sujet. Contrairement à la plupart des comédiens, il n'a jamais demandé à être aimé, il était colérique, lâche, un truqueur pur et simple parfois. Chaplin était mieux connu, Keaton plus ambitieux sur le plan technique, et Laurel et Hardy étaient certainement plus aimés, mais Fields a trouvé un écho auprès du public d'une manière que les autres bandes dessinées n'ont pas fait. Il n'était pas un clown, il ne s'habillait pas comme un clochard ou ne vivait pas dans le monde lointain du ghetto de Londres. En effet, pour la plupart des publics, il vivait juste en bas de la rue ou au coin de la rue. Il était l'oncle désagréable de tout le monde, ou le voisin qui renversait qui mettait en garde les enfants du coin avec un club de golf. Les gens ont répondu à l'honnêteté du personnage de Fields parce que, comme Archie Bunker d'une génération ultérieure, tout le monde connaissait quelqu'un comme lui. Ils l'admiraient à contrecœur et voyaient l'humanité sous son épaisse croûte de mépris pour le monde.

"La première chose dont je me souviens avoir compris par moi-même était que je voulais être une personnalité définie", a-t-il déclaré. "J'avais entendu un homme dire qu'il aimait un certain type parce qu'il était toujours le même putain de tel ou tel. Vous savez, comme Larsen dans Sea Wolf de Jack London. Il était détestable, pourtant vous l'admiriez parce qu'il restait fidèle à son type. Eh bien, j'ai pensé que c'était une idée géniale, alors j'ai développé ma propre philosophie : soyez votre type ! J'ai déterminé que quoi que j'étais, je serais ça, je ne basculerais pas sur la clôture.

L'enfance exagérée par Fields pour les intervieweurs était vivement dickensienne, et ses démêlés avec son père avaient l'énergie brutale du slapstick de Sennett. Pourtant, l'humanité pour laquelle il s'est toujours efforcé dans ses traitements cinématographiques lui a fait défaut lorsqu'il a retracé les détails de sa propre jeunesse. Il a invariablement décrit son père comme un scélérat abusif, sa mère comme inefficace et stupide, et son jeune moi comme une version philadelphienne de Huck Finn. Il est issu d'immigrants - son père était britannique - et quelle que soit l'apparence d'American Fields, il y avait toujours un élément d'outsider dans les personnages qu'il jouait. Il a embrassé l'esprit nomade de son grand-père, qu'il n'a jamais rencontré, et bien qu'il ait été marié à la même femme pendant toute sa vie d'adulte, il était toujours en désaccord avec elle et le monde, assiégé et solitaire.

Fields a parcouru une carrière qui a duré près d'un demi-siècle, acquérant lentement les éléments du caractère par lequel il est connu aujourd'hui. Sur scène, il a perfectionné ce qui peut être décrit comme la comédie de la frustration, construisant l'une de ses routines les plus populaires sur les petites distractions qu'un golfeur rencontre en essayant de jouer. Son acte de piscine séminal a été construit de la même manière, l'amenant à conclure que "la chose la plus drôle qu'un comédien puisse faire est de ne pas le faire". "le plus dur et le plus chaleureux de tous les comédiens de cinéma."

Son temps en tant que l'un des meilleurs tirages d'Hollywood a été bref - à peine six ans - et en 1941, son public l'avait largement abandonné. La radio, où il pouvait encore trouver du travail, le vidait de toute subtilité, en grande partie à cause de ses échanges arrosés avec le mannequin sarcastique d'Edgar Bergen, Charlie McCarthy. Malgré tous ses efforts, il s'efforçait constamment de justifier un personnage qui était devenu si ancré dans l'esprit du public qu'il était largement présumé être le même homme qu'il dépeint à l'écran. Le jour de sa mort, Bob Hope a fait une blague sur lui sur NBC. Hope a laissé entendre qu'il avait vu Fields ivre : " J'ai vu W. C. Fields dans la rue et je lui ai fait signe de la main, et il a reculé. " Le public a ri. Fields était alors l'ivrogne le plus célèbre du monde. Peu importait qu'il n'ait jamais joué un ivrogne de sa vie.

En 1880, les voyageurs approchant de Philadelphie depuis le comté de Delaware et se dirigeant vers le sud passaient généralement par le petit arrondissement de Darby pour se rendre à Quaker City. Moins d'un mile carré, Darby était une ville industrielle et une plaque tournante des transports, abritant 1 779 résidents permanents et un groupe d'usines de papier et de textile qui dominaient assez le paysage. Chaque jour, quinze mille travailleurs inondaient la ville, faisant du quartier central des affaires, qui s'étendait sur quatre pâtés de maisons le long de Main Street entre Tenth et Mill, le deuxième derrière Chester en termes de taille et d'importance. Il y avait des taprooms et des cafés, un salon funéraire, une douzaine d'églises, une loge Odd Fellows et l'une des plus anciennes bibliothèques gratuites du pays. Le B&O et le Pennsylvania Railroads passaient tous deux par Darby, et des trolleys reliaient la ligne de Philadelphie à Wilmington et Chester. Juste au-delà de la ville se trouvaient des ranchs de bétail et de chevaux et une vaste couverture de terres agricoles qui s'étendait vers Media. Les acheteurs fortunés à la recherche de matériel de course de premier ordre s'installaient à l'hôtel Buttonwood, au terminus de la ligne Chester Traction Co., ou parfois à la Bluebell Tavern, près de Grays Ferry, où George Washington se serait arrêté en chemin. à Philadelphie pour la deuxième inauguration. Parmi les nombreuses auberges de Darby, cependant, une seule s'adressait réellement au commerce des chevaux - un simple bâtiment en pierre situé à l'angle sud-est des rues Main et Mill, connu sous le nom d'Arlington House.

Plus ancien que le Buttonwood et moins historique que le Bluebell, l'Arlington se tenait juste en face de Griswold&# x27s Worsted, la plus grande et la plus moderne des nombreuses usines textiles de Darby&# x27s, et à un pâté de maisons et demi à l'ouest du quai de la ville, le centre point de réception pour le fret et les fournitures remontant la rivière Delaware et l'intérieur des terres via Cobbs Creek. À l'intersection la plus bruyante et la plus poussiéreuse de la ville, l'Arlington était un point d'arrêt pour les dockers, les ouvriers du moulin, les employés, les commerçants et les touristes en route vers ou depuis Philadelphie. Au sommet de ses trois étages modestes se trouvait un guetteur d'incendie, une pièce en forme de boîte avec des fenêtres de tous les côtés qui offraient une vue panoramique sur les moulins le long des deux ruisseaux de marée, Cobbs Creek à l'est et Darby Creek à l'ouest, et les artères principales menant à Lansdowne, au nord, et à Sharon Hill, au sud.

Les habitants et les invités qui faisaient une pause au bar au rez-de-chaussée étaient probablement servis par James Lydon Dukenfield, un Britannique robuste d'une trentaine d'années qui dirigeait l'hôtel avec sa femme, Kate, et un cousin de New York nommé Jim Lester. Homme petit et trapu aux yeux bleu intense, à la moustache épaisse et aux cheveux clairs qu'il a soigneusement séparés au milieu, Jim Dukenfield a brisé des chevaux arabes pour gagner sa vie et a visiblement vu une opportunité lorsque le petit hôtel, construit sur le site d'une ancienne farine moulin, est venu en location. Il était connu pour son tempérament éclair, ses éclats de chant improvisés (le plus sentimental le mieux) et les deux doigts manquants de sa main gauche. Il avait un sourire souriant qui faisait de lui un hôte sympathique et un mépris explosif pour l'autorité qui faisait de lui un employé difficile.

Jim avait été pompier volontaire à l'époque où de telles entreprises étaient comme des bandes de voyous errants qui coupaient les tuyaux des entreprises rivales pour avoir le privilège d'éteindre un incendie. Il s'est enrôlé dans les Philadelphia Fire Zouaves lorsque l'appel est venu pour trois ans de volontaires en août 1861. Il a déserté pendant cinq mois - ne répondant pas mieux à l'autorité militaire qu'il ne l'avait fait à tout autre type - et a été rassemblé après avoir " accidentellement " s'être fait les doigts. emporté alors qu'il était en service de piquetage près de Fair Oaks. Quatre de ses neuf frères ont également répondu à l'appel, et tous ont survécu à l'exception de George, deux ans plus jeune que Jim, qui est tombé à Gettysburg le 2 juillet 1863. Jim aimait à dire qu'il avait été blessé à la bataille de Lookout Mountain son le fils aîné a déclaré qu'il avait plus probablement été surpris en train de faire des poches.

Jim Dukenfield était l'un des treize enfants, dont la plupart ont suivi leur père, John Dukinfield, aux États-Unis au milieu des années 1850. John était le deuxième fils de George Dukinfield, qui à son tour était le troisième fils de Lord Dukinfield of Cheshire. John Dukinfield et son frère aîné George étaient nés patriciens, mais le domaine passa en lignée à un petit-fils qui était ecclésiastique et vicaire du comté. Lorsqu'il mourut par la suite sans descendance, le domaine revint à la chancellerie et devint propriété du royaume. John a déménagé à Sheffield, non pas pour travailler dans les mines, mais pour se distinguer en tant que fabricant de peignes, sculptant des motifs haut de gamme à partir de cornes d'animaux. Il a épousé une fille catholique irlandaise nommée Ann Lyden et a commencé sa carrière dans la maternité en gros avec la naissance de leur premier fils, Walter, en 1835. L'entreprise a connu une croissance constante et, en 1837, John avait pris George comme partenaire. Ils ont établi une petite usine à Rockingham Street, où ils ont fabriqué des boutons, des montures de lunettes et des couteaux de poche, et ont installé leurs familles dans des logements adjacents à proximité.

John était un esprit agité, impulsif et autocratique. Il avait un gros nez qui incitera plus tard sa nièce Emily à faire remarquer que son petit-fils, le comédien de cinéma qu'il n'a jamais rencontré, lui ressemblait "surtout au-dessus de la bouche". il y aurait des approvisionnements frais et un marché tout prêt pour ses boutons en imitation de nacre et ses lunettes en écaille de tortue. Il a emballé une malle pleine de fournitures, a enrôlé son fils de douze ans Jim pour le voyage et a laissé Ann, enceinte comme d'habitude, aux soins de George. Le voyage a été ardu, en proie au mauvais temps, et ils ont fait naufrage au large de Glen Cove, Long Island. John et son fils se sont rendus à Dudley, New Jersey, au nord de Camden, puis ont traversé la rivière Delaware jusqu'à Philadelphie, où ils ont ouvert un magasin de produits secs dans le quartier de Kensington, connu en raison de sa concentration de travailleurs du textile britanniques sous le nom de « Little England ». " Ann a suivi avec la plupart des autres enfants Godfrey, le plus jeune, a fait la traversée depuis l'Angleterre dans les bras de sa mère.

La famille s'était en grande partie réunie en novembre, lorsque John a déposé une déclaration d'intention pour devenir citoyen américain. Il a également commencé à épeler son nom « Dukenfield » (avec un « quoten » à la place du « quotin »), considérant apparemment qu’il s’agissait d’une américanisation appropriée du nom. Les garçons de Dukenfield étaient tous farouchement indépendants - un peu comme le vieil homme - et aucun n'épelait le nom de famille de la même manière. Selon une source, il dérive de "Dug-in-field", qui signifie "oiseau dans le champ", et il y avait (et il y a toujours) un canton dans la paroisse de Stockport, près de Manchester, appelé Dukinfield. Jim l'a épelé avec un "quoten", et d'autres variantes comprenaient Duckinfield (favorisé par George dans son enfance), Duckenfield et même Dutenfield.

Les garçons plus âgés ont pris des emplois dans et autour de Philadelphie. Jim, qui était bon avec les chevaux, est devenu chauffeur. Son frère John est devenu maçon et un autre frère, George, est devenu potier. Walter, l'aîné, travaillait comme barman à l'hôtel Union. L'entreprise familiale a déménagé sur l'avenue Girard, à l'ouest de Second, puis au nord jusqu'au 625, Cumberland, où elle est restée jusque dans les années 1890. John Dukenfield a ouvert une taverne sur East Norris Street, et c'est là qu'il a de plus en plus passé son temps. Il réussit à faire sombrer l'entreprise dans le déclin et, en 1859, avec six enfants de moins de dix ans vivant toujours à la maison, il abandonna sa femme et sa famille. Ann a lutté puissamment avec l'entreprise, la passant finalement à son beau-frère George.

Extrait de W. C. Fields par James Curtis Copyright © 2003 par James Curtis

Extrait avec autorisation. Tous les droits sont réservés. Aucune partie de cet extrait ne peut être reproduite ou réimprimée sans l'autorisation écrite de l'éditeur.


Ce jour dans l'histoire de l'indie : W.C. Des champs

Connu pour ses tours à l'écran en tant qu'escroc câlin, l'acteur W.C. Fields, né ce jour-là en 1880, était tellement en phase avec les personnages qu'il jouait qu'il devenait souvent difficile de déterminer où le rôle se terminait et où Fields lui-même commençait. À l'âge de 19 ans, il s'était lancé dans une brillante carrière de jongleur, bien que son premier véritable succès ait eu lieu en 1923 lorsqu'il a décroché un rôle dans la pièce de Broadway "Poppy". , jouant le rôle même dans les films qu'il a écrits pour lui-même. Avant d'apparaître et d'écrire les films sonores La banque Dick, Man on the Flying Trapeze et Never Give a Sucker an Even Break, Fields was a vaudevillian actor seen in the silent films Pool Sharks et Sally of the Sawdust. In a rare dramatic appearance, the actor dedicated himself to the role of Mr. Micawber in George Cukor’s 1935 adaptation of David Copperfield. He passed away on December 25, 1946 of complications from pneumonia.


The 30 Harshest Actor-on-Actor Insults in History

In the current ultra-managed, publicist-controlled, sound-byte-driven media atmosphere, you don’t get to hear stars really speaking their minds anymore — at least, not about anything fun, like how they really feel about their fellow stars. But occasionally a little something sneaks through the PR wall, both now and back in Hollywood’s golden age, sometimes as whispers, sometimes as gossip, sometimes long after the fact. And thus, we present another, long-overdue installment of our ongoing series (following authors, filmmakers, and musicians) of really famous people really cutting each other down.

1. Bette Davis on Joan Crawford: “Joan Crawford — I wouldn’t sit on her toilet!” “I wouldn’t piss on Joan Crawford if she were on fire.” “Joan Crawford — Hollywood’s first case of syphilis.” “She has slept with every male star at MGM except Lassie.” “Why am I so good at playing bitches? I think it’s because I’m not a bitch. Maybe that’s why Miss Crawford always plays ladies.” “You should never say bad things about the dead, you should only say good… Joan Crawford is dead. Good.”

2. Joan Crawford on Bette Davis: “Bette will play anything, so long as she thinks someone is watching. I’m a little more selective than that.” “She may have more Oscars… she’s also made herself into something of a joke.” “Miss Davis was always partial to covering up her face in motion pictures. She called it ‘art.’ Others might call it camouflage — a cover-up for the absence of any real beauty.” “I don’t hate Bette Davis, even though the press wants me to. I resent her — I don’t see how she built a career out of mannerisms instead of real acting ability. She’s a phony, but I guess the public likes that.”

3. Viven Leigh on Bette Davis (after turning down Hush Hush Sweet Charlotte: “I could almost stand to look at Joan Crawford’s face at 6am, but not Bette Davis.”

4. Barbara Stanwyck on Marilyn Monroe: “Her body has gone to her head.”

5. Bette Davis on Cary Grant: “He needed willowy or boyish girls like Katharine Hepburn to make him look what they now call macho. If I’d co-starred with Grant or if Crawford had, we’d have eaten him for breakfast.”

6. Cary Grant on Marlon Brando, Montgomery Clift, James Dean: “I have no rapport with the new idols of the screen, and that includes Marlon Brando and his style of Method acting. It certainly includes Montgomery Clift and that God-awful James Dean. Some producer should cast all three of them in the same movie and let them duke it out. When they’ve finished each other off, James Stewart, Spencer Tracy and I will return and start making real movies again like we used to.”

7. Richard Burton on Marlon Brando: “Marlon has yet to learn to speak. He should have been born two generations before and acted in silent films.”

8. Marlon Brando on James Dean: “Mr. Dean appears to be wearing my last year’s wardrobe and using my last year’s talent.”

9. Richard Harris on Michael Caine: “An over-fat, flatulent, 62-year-old windbag. A master of inconsequence masquerading as a guru, passing off his vast limitations as pious virtues.”

10. Rex Harrison on Charlton Heston: “Charlton Heston is good at playing arrogance and ambition. But in the same way that a dwarf is good at being short.”

11. Harrison Ford on Shia LaBeouf: “I think he was a fucking idiot.”

12. Dean Martin on James Stewart: “There’s a statue of Jimmy Stewart in the Hollywood Wax Museum, and the statue talks better than he does.”

13. Sir John Gielgud on Ingrid Bergman: “Dear Ingrid — speaks five languages and can’t act in any of them.”

14. Frank Sinatra on Shelly Winters: “A bowlegged bitch of a Brooklyn blonde.”

15. Shelly Winters on Frank Sinatra: “A skinny, no-talent, stupid Hoboken bastard.”

16. Ava Gardner on Mia Farrow and Frank Sinatra: “I always knew Frank would end up in bed with a boy.”

17. Traci Lords on Johnny Depp: “He’s the kind of guy that would be really sweet to a girl and bring her flowers, but still take a pee in the alley.”

18. Bill Murray to Chevy Chase: “Medium talent!”

19. Julia Roberts on Nick Nolte: “A disgusting human being.”

20. Nick Nolte on Julia Roberts: “It’s not nice to call someone ‘disgusting’. But she’s not a nice person. Everyone knows that.”

21. Sharon Stone on Gwyneth Paltrow: “[She’s] very young and lives in rarefied air that’s a little thin. It’s like she’s not getting quite enough oxygen.”

22. Katherine Hepburn on Sharon Stone: “It’s a new low for actresses when you have to wonder what’s between her ears instead of her legs.”

23. Susan Sarandon on Mel Gibson: “Mel Gibson is somewhere to the right of Attila the Hun. He’s beautiful, but only on the outside.”

24. Walter Matthau to Barbara Streisand: “I have more talent in my smallest fart than you have in your entire body.”

25. Elliot Gould on Jerry Lewis: “This arrogant, sour, ceremonial, piously chauvinistic egomaniac.”

26. Graham Chapman on John Travolta: “How difficult can it be to fly an airplane? I mean, John Travolta learned how.”

27. W.C. Fields on Mae West: “A plumber’s idea of Cleopatra.”

28. W.C. Fields on Charlie Chaplin: “He’s a goddamned ballet dancer.”

29. Robert Downey Jr. on Hugh Grant: “A self-important, boring, flash-in-the-pan Brit.”

30. John Wayne on Clark Gable: “Gable’s an idiot. You know why he’s an actor? It’s the only thing he’s smart enough to do.”


W.C. Fields - History

Edwin S. Porter's early silent western classic, with fourteen primitive scenes, comprised a narrative story with multiple plot lines.

It contained prototypical elements that have been repeatedly copied by almost every western - a train holdup with six-shooters, a daring robbery accompanied by violence and death, a hastily-assembled posse's chase on horseback after the fleeing bandits, and the apprehension of the desperadoes after a showdown in the woods.

D.W. Griffith's monumental technical masterpiece of epic film-making (although decidedly racist) included an exciting conclusion involving the KKK's race to restore order. The Klan on horseback were summoned, assembled and gathered for reinforcement. Ben Cameron (Henry Walthall), "the Little Colonel", led the Klan to the rescue of white womanhood, white honor, and white glory, in a 'head-on' tracking shot.

It was an intense, action-packed, stupendous, last-minute rescue finale, a thrilling climax - interweaving the siege on the cabin, the chaos in Piedmont, Elsie Stoneman's (Lillian Gish) fate at the hands of Silas Lynch (George Siegmann), and the onrushing rescue by the Klan. During the rescue, the most famous sequence in the film, excitement was heightened by shots of the Klan alternating with shots of the endangered Elsie - the film exhibited masterful parallel editing.

This film was memorable for the last minute, climactic scene in which David Bartlett (Richard Barthelmess) chased after cast-out love interest Anna Moore (Lillian Gish) who had fled into a blinding snowstorm. She fainted on one of the ice floes in the midst of an icy river, with her hand trailing into the freezing water.

As the ice thawed the next morning and broke apart ("the great ice-break"), her lifeless form was caught unconscious on moving ice-floes and was swept downstream toward a precipitous waterfall.

David nimbly jumped from ice block to ice block to try to reach her before the ice jam gave way - rushing to the falls. As Anna regained consciousness from exhaustion, but started to sink into the frigid water at the edge of the falls, David scooped her up and saved her, running perilously upstream on unstable blocks of ice to reach the shore.

This chase comedy was written and directed by Buster Keaton and Clyde Bruckman, and filmed with a huge budget for its time ($400,000). It was memorable for its strong story-line of a single, brave, but foolish Southern Confederate train engineer Johnnie (Buster Keaton) doggedly in pursuit of his passionately-loved locomotive ("The General") and the blue-coated spies who had stolen it, AND the woman he loved.

Each half of the film was predominantly composed of two train chases over the same territory. Each scene in the chase of the first half had a counterpart in the film's second half.

In the first chase, Johnnie pursued his stolen locomotive taken to the North by the Union forces. In the second half, the Union spies chased Johnnie in his re-possessed General back to the South.

The film concluded with a climactic battle at a river gorge, with the dramatic crash of the pursuit train into the Rock River in the film's most spectacular scene.

The John Ford western had a spectacular, climactic hair-raising, dangerous stunt (a horse-leap and coach-slide) during the stagecoach chase across the alkali flat by Apache Indians. One of the Apaches (Enos Yakima Canutt, a famed stuntman) leapt from his mount alongside the moving stage onto the galloping lead horses of the stagecoach's team (a stagecoach was pulled by three pairs of horses: the lead, the swing, and the wheel teams).

As he tried to grab the reins of the lead horse to control the stagecoach, Ringo (John Wayne) shot at him with his rifle from over Buck's shoulder. The Apache was struck and fell down among many sets of thundering hooves. He hung onto the rig's shaft or tongue (the projection on the bottom front of the wagon that connected the vehicle to the horses) while dragging along the ground.

Then, after being shot a second time, the Apache warrior let go and slid between the wheels of the moving coach - the six horses and the stage's carriage rolled right over his prone body. The camera panned back to show that it wasn't a stunt dummy - the wounded Indian rolled aside and climbed slowly to his knees.

This W.C. Fields film concluded with a memorable, zany slapstick, getaway car chase scene, reminiscent of the silent Mack Sennett Keystone Kops films. Egbert Sousè (Fields) was taken as hostage by a bank robber, used as a shield, and forced to drive a getaway car.

Following in three other chase cars through the city and country were the local police, the bank president, and a representative from the movie company. It was a superbly-timed chase - the cars zoomed and circled around, barely avoiding crashing into each other or other obstacles in the path.

The getaway car careened through streets, over ditches (over the heads of ditchdiggers), around curves and up a mountainside, missing collisions at every turn with the pursuit vehicles. An unruffled Sousè gave non-chalant comments about the traffic and scenery. As his car started to fall apart, he joked: "The resale value of this car is going to be nil after you get over this trip." When asked by the thug in the back seat to give him the wheel, Egbert matter-of-factly pulled it off the steering column and gave it to him. When the rear tires started falling off, he calmly stated: "That's what I thought - going to be very dangerous."

The robber was struck by the bough of a tree as he stood up and the car came to rest at the edge of a steep precipice. Sousè mumbled: "Have to take the boat from here on anyway." The unconscious thief was apprehended, and Sousè was a hero once again for thwarting another heist.

The Fast and the Furious (1955)

Future "King of the B's" Roger Corman (28 years old) served as the producer and writer (and bit actor as a stunt driver) in this inferior John Ireland-co-directed film noirish action film - the first film for American International Pictures (then known as American Releasing Corporation or ARC). It was shot for $50,000 in nine days.

Some of the car chase footage was stock footage, since special effects were not very well developed in the 1950s. It advertised "WIDE-SCREEN THRILLS!" and tauted that it was "filmed at the Pebble Beach International Sports Car Races" - in Monterey, California, where some of the footage was borrowed from.

HIGH SPEED EXCITEMENT! When a Wanted Man -- Meets a Wanting Woman.

[Note: It was remade as The Chase (1994) starring Charlie Sheen as fugitive Jackson "Jack" Davis Hammond and Kristy Swanson as his kidnapped hostage and California heiress Natalie Voss. The title rights to this film were used for the 'remake' sequel - The Fast and the Furious (2001).]

It starred John Ireland as an innocently-convicted, escaped murderer Frank Webster (originally a truck driver) who met and kidnapped attractive, independent-minded blonde society girl Connie Adair (Dorothy Malone) at a roadside diner. He also drove off with her in her late-model white Jaguar XK120 sports car for his flight to Mexico. As part of his escape plan, Frank participated in an international, across-the-border sports car rally from California to Mexico.

In the final moments of the film, Frank led a police car on a wild chase. Police officer Faber's (Bruce Carlisle) car crashed, but Frank stopped and saved the man's life - and then Connie arrived (after breaking out of a shed where she had been locked up by Frank). She admitted that she had turned him into authorities, to help him get justice, as they heard police sirens coming closer:

Frank: "How'd the cops find out?"
Connie: "I turned you in."
Frank: "How'd you get out?"
Connie: "I set the building on fire."
Frank: "You're a pretty dangerous character yourself."
Connie: "You could've run away instead of helping him. Why didn't you?"
Frank: "'Cause you're right, Connie, and I'm goin' back. Besides, I'm gettin' used to you."
Connie: "Oh, Frank, what you really are is worth fighting for. And it isn't too late."
Frank: "For us, it's just the beginning." (They hugged)

Thunder Road (1958)

Director Arthur Ripley's b/w noirish, low-budget B-film from a story written by the film's star/producer Robert Mitchum, advertised itself with the apt tagline:

As part of his vanity project, Mitchum also wrote the film's theme song Ballad of Thunder Road ("Thunder was his engine and white lightnin' was his load. "), and his real-life look-alike son James played a role as his younger mechanic-brother Robin.

[Note: The film had glaring continuity errors - i.e., in the opening car chase, Mitchum rolled his black car on its side, but then in the next shot, the vehicle appeared undamaged, and as he returned home, the car changed from black to white! And when Doolin visited Kogan in Memphis, he pulled up in front of an Asheville, NC pharmacy. However, the influential film was the impetus and inspiration for many car-crash "good-ol' boy" films in the 60s and 70s.]

This definitive film (a cult drive-in favorite) was about transporting or running moonshine from the Appalachian Mountains area of backwoods rural North Carolina (Rillow Valley) and Harlan County (KY) while pursued by US Treasury (T-men) agents, including Troy Barrett (Gene Barry). Interference was also provided by ruthless crime syndicate city boss Carl Kogan (Jacques Aubuchon) from Memphis, Tennessee, who was threatening to consolidate all of the "action" of the local moonshine-bootleggers.

Sleepy-eyed, cigarette-smoking, disillusioned tough-guy Mitchum played the romanticized but anti-hero role of a returning Korean War veteran named Lucas "Luke" Doolin, who resumed helping in his father Vernon's (Trevor Bardette) family business of bootlegging. He was a transporter ("those wild and reckless men") illegally carrying moonshine alcohol on the road to Memphis, in his souped-up 1950 gray stock-car Ford coupe with a modified 250 gallon tank in the trunk (carrying moonshine worth $1400), and an oil-slick device in the rear to waylay pursuers. He refused to bow to either the federal agents or to Kogan and quit his ways ("Why don't I quit breathin'. I want to stop the clock, turn it back to another time in this valley that I knew before").

Bachelor Lucas was involved with two females (teenaged hillbilly Roxanna "Roxie" Ledbetter (Sandra Knight) and Memphis nightclub singer Francie Wymore (Keely Smith)) in the romantic subplots, but it was the few fast-driving road chases, usually at night, that were the highlight of this film. [Note: The bootleggers' cars were actually sourced from the local community.]

Evading stakeouts and roadblocks, government treasury agents (revenuers) driving Chevys, other moonshine competitors and organized crime gangsters/racketeers, were only some of the challenges, as Lucas dared Barrett: "you've got to catch me - if you can." In one attempt after his 1950 Ford was car-bombed by Kogan's men, he blasted his new 1957 Ford (with Tennessee plates) at 90 mph through a Treasury inspection roadblock consisting of two vehicles.

The film's inevitably-deadly and tragic conclusion found Luke in one final run into Memphis after an intense crack-down, in which the daring and head-strong transporter was pursued by one of Kogan's henchmen. Driving alongside, Luke flicked his cigarette at the driver through his open window, causing the thug to careen off the side of the road. But then his own car was sabotaged by a T-agent nail-strip, and his car overturned and crashed into a utility station - killing him. Barrett provided Doolin's epitaph as electrical sparking occurred: "Mountain people. Wild-blooded, death-foolish. Yeah, that was Doolin, alright. He was a real stampeder."

In the film's closing scene without dialogue, Robin returned to Roxie and took her hand, as a long stream of car headlights signaled Luke's body being brought back to the valley (the "Whippoorwill" song was reprised on the soundtrack).

The film has been most heralded for its classic, memorable and spectacular 11-minute chariot race scene around a central divider strip composed of three statues thirty feet high, and grandstands on all sides, rising five stories high. The battle between the competitors was highlighted by a series of close-ups of the action. One by one, Messala (Stephen Boyd) eliminated the other drivers in the ferocious race, shattering their chariots.

The climactic ending to the race occurred when the chariots of arch-rivals Messala and Ben-Hur (Charlton Heston), in hateful rivalry toward each other, ran neck-and-neck and slashed at each other. At one point, Ben-Hur's horses jumped over a crashed chariot, throwing the hero (stuntman Joe Canutt, son of famed stuntman Yakima Canutt) high into the air, yet he landed on his feet. Messala tried to destroy Ben-Hur's chariot by moving close with the blades, but as the wheels locked and he lost one of his wheels, Messala's chariot was splintered. He was dragged by his own team, then trampled, and run over by other teams of horses. Defeated, he was left bloody in the dirt, his body broken and horribly injured.

The Great Escape (1963)

One of the most iconic chase sequences involved the exciting (but unsuccessful) escape attempt by Allied POW loner "Cooler King" Hilts (Steve McQueen, but performed by stuntman Bud Elkins) - he sped away from the Nazi prison camp by vaulting a stolen German motorcycle over a six-foot barbed-wire prison fence at the Swiss border.

The Naked Prey (1966, S.Afr./US)

The amazing race-for-his-life chase scene by the Man (a naked and unarmed safari tour leader/guide) (Cornel Wilde) as six tribe warriors give him a head start of 100 yards into the bush, in this adventure/chase film set in 19th century Africa co-directed by Cornel Wilde and Sven Persson.