Quand les intérieurs de bâtiments européens divisés en pièces sont-ils devenus monnaie courante ?

Quand les intérieurs de bâtiments européens divisés en pièces sont-ils devenus monnaie courante ?

Ma visite à Versailles il y a de nombreuses années m'a confronté à un concept étranger d'architecture d'intérieur : tout était un grand hall, y compris les chambres, et accéder à une autre partie du palais nécessitait de traverser tous ces espaces qui, dans un bâtiment moderne, seraient des pièces séparées. hors des couloirs d'accès.

Wikipédia implique que le concept de pièces et de halls séparés, tel que nous les connaissons, ne s'est développé qu'au cours ou après le Moyen Âge :

Dans un bâtiment médiéval, la salle était l'endroit où l'on gardait le feu. Avec le temps, ses fonctions de dortoir, de cuisine, de salon, etc. ont été divisées en pièces séparées ou, dans le cas de la cuisine, en un bâtiment séparé.

C'est pourtant douloureusement vague. Quand est-il devenu normal en Europe que l'intérieur des bâtiments de la classe supérieure soit composé de pièces séparées à partir d'un hall principal au lieu d'un seul grand hall multifonctionnel ? Ou, pour poser la question autrement, quand la grande salle multifonctionnelle qui servait de dortoir, de cuisine, de salle de réception est-elle devenue rare et archaïque ? La précision au siècle, ou la durée des siècles de transition, est suffisante pour mes besoins.


Quand la cheminée est devenue populaire, 12 s. pour les châteaux et les édifices de haut standing, 15-16 s. pour les maisons régulières.

Sans cheminée, vous avez un foyer central et la fumée monte jusqu'aux évents dans les avant-toits, donc tous ceux qui veulent avoir chaud doivent être dans la grande pièce simple. Une fois les cheminées inventées, vous avez besoin d'un endroit pour les construire. Si vous avez un château, vous pouvez les mettre dans les murs de pierre épais, si vous avez une maison, vous devez construire une cheminée à partir de zéro. L'endroit évident pour le construire est l'endroit où vous avez toujours eu le feu, d'autant plus que les murs de la maison sont en torchis et torchis inflammables, c'est-à-dire au milieu de la pièce.

Maintenant que vous avez une structure en pierre massive au centre avec une cheminée des deux côtés, il est logique de continuer les murs pour diviser l'espace et utiliser la maçonnerie comme support pour les étages supérieurs.


Le plan d'étage ouvert : histoire, avantages et inconvénients

Les plans d'étage ouverts sont la tendance architecturale dominante dans les nouvelles constructions résidentielles depuis environ 1990. Et ils ont été l'objectif de nombreux grands projets de rénovation dans des maisons plus anciennes, où l'objectif est de joindre la cuisine et la salle à manger, la salle à manger et le salon, ou tous les trois dans une forme d'espace de vie commun ou de « grande pièce ».

Qu'est-ce qu'un plan d'étage ouvert?

Un plan d'étage ouvert dans l'architecture résidentielle fait référence à une habitation dans laquelle deux ou plusieurs espaces communs ont été joints pour former un espace plus grand en éliminant les cloisons.

Dans la construction à aire ouverte, des poutres robustes (au lieu de murs porteurs intérieurs) supportent le poids de l'étage au-dessus. Esthétiquement, un sentiment d'ouverture et une plus grande circulation sont favorisés par un plan d'étage ouvert.


Louis XIV a construit la décadence à Versailles

Vue du château de Versailles vers la fin du XVIIe siècle.

Raphaël Gaillarde/Gamma-Rapho/Getty Images

Dans le palais déserté, les citoyens de la France ont essaimé, enfin capables de voir par eux-mêmes le luxe excessif de Versailles. Ils ont traversé l'écho de la galerie des glaces, pour ne plus jamais être honorés par les pas lourds du roi&# x2019s ou le doux crépitement de la reine&# x2019.

Cela n'avait pas toujours été ainsi. Pendant de nombreuses décennies, la magnificence de Versailles avait été une source de fierté pour les Français. 𠇊 Un bourgeois parisien dit très sérieusement à un Anglais : “Quel est votre roi ? Il est mal logé : à plaindre, en effet, écrivait l'écrivain Louis-Sébastien Mercier. ‘Regardez le nôtre. Il vit à Versailles.&# x2019&# x201D

Versailles était considéré comme un symbole glorieux du monarque absolu, de la France&# x2019s famille royale divinement ordonnée, et de l'état lui-même. Mais bien avant la Révolution française, certains avertissaient que la grandeur et les excès de Versailles étaient en fait terribles pour les relations publiques. 𠇊 génération plus tôt,” écrit Tony Spawforth dans Versailles : Biographie d'un château, &# x201Cle marquis d&# x2019Argenson pensait que le palais avait signalé l'arrivée sur le sol français de 𠆎xtravagance royale orientale.&apos"

Il n'est pas surprenant que Louis XIV (1638-1715), connu sous le nom de &# x201Csun king&# x201D et l'&# x201Cvainest man ever&# x201D, fut le royal responsable de la transformation de ce qui avait été autrefois un petit pavillon de chasse royal en le plus extravagant cour que l'Europe n'a jamais connue. Confiant aux maîtres architectes, designers et artisans de l'Europe ce qu'il a appelé sa gloire, il a dépensé une énorme somme d'argent des contribuables pour Versailles et ses plus de 2 000 chambres, ses jardins élaborés, ses fontaines, son zoo privé, ses bains de style romain (pour gambader avec sa maîtresse) et de nouveaux ascenseurs.


Architecture romane (vers 800-1200)

Évolution de l'architecture
D'une manière qui n'est pas sans rappeler
Architecture égyptienne antique,
roman les bâtiments étaient
conçu pour exprimer la
la force protectrice de Dieu dans
temps incertains. Après ça
est venu l'architecture gothique
qui reflétait l'absolu
perfection de l'univers de Dieu,
et des congrégations inspirées
avec son vitrail.
Architecture de la Renaissance
rétabli les proportions
de l'architecture classique,
faire de l'humain la clé
mesure par laquelle tout
les choses ont été mesurées.
L'architecture baroque alors
retourné l'attention à Dieu.
En fait, la papauté a utilisé
architectes baroques dans le cadre
de sa Contre-Réforme
campagne de propagande. Dans
Architecture néoclassique,
on constate un regain d'intérêt
en monumentalité dans le
style romain et aussi
architecture grecque.

Qu'est-ce que l'architecture romane ?

Dans l'art médiéval, le terme « architecture romane » décrit le style européen de conception de bâtiments qui a prospéré à la fin de l'ère médiévale (vers 800-1200). Il est traditionnellement divisé en trois périodes : (1) Préroman: Architecture carolingienne et ottonienne (vers 800-1000). (2) Début du roman (XIe siècle). (3) Roman mature (c.1070-1170). Le type d'art religieux le plus important produit au Moyen Âge, le design roman a été principalement influencé par l'architecture romaine classique, ainsi que par des éléments de l'art byzantin et de l'art islamique. Il était caractérisé par une nouvelle massivité d'échelle, exprimant la stabilité croissante de l'âge et la réémergence de la culture européenne après quatre siècles de l'âge des ténèbres. Malgré une diminution des tensions, cependant, une certaine incertitude subsistait au cours de la période 800-950, c'est pourquoi les conceptions romanes se dédoublent souvent en structures défensives.

La défaite finale des maraudeurs barbares par l'empereur Otton Ier en 955, a donné plus de confiance à l'église romane et à ses ordres monastiques, dont le vaste programme de construction a conduit à la création de trois structures distinctes de l'architecture romane : le cathédrale, les monastère et le château. Les cathédrales, qui ont évolué à partir de la construction de la basilique paléochrétienne, ont été constamment rénovées et agrandies tout au long de l'époque romane et ont prospéré dans un cadre urbain. Les monastères sont arrivés en Europe depuis Byzance au 5ème siècle et ont prospéré en tant que centres d'administration rurale à l'époque de Charlemagne. (Voir aussi : Art carolingien : 750-900.) Depuis des débuts modestes, un certain nombre de monastères se sont transformés en complexes abbatiaux élaborés. Le château s'est développé plus tard, en réponse à l'instabilité politique des Xe et XIe siècles, et est devenu un élément majeur du roman mature, notamment en Bretagne.

Plus tard, à la fin du XIe siècle, la confiance papale s'est combinée avec le pouvoir militaire séculier pour lancer les croisades afin de libérer les Lieux Saints en Palestine de l'emprise de l'Islam. La récupération des Saintes Reliques de Terre Sainte a donné un nouvel élan à la construction de nouvelles églises en Europe occidentale et au développement du style roman mature. L'une des conséquences de ce programme de construction soutenu a été une énorme demande de décoration architecturale, y compris des statues (de gargouilles et de monstres, ainsi que des saints et des anges), des sculptures en relief et des vitraux, ce qui a entraîné une énorme croissance du nombre d'artistes et artisans médiévaux. (Veuillez aussi voir : Sculpture médiévale.)

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Enluminure de manuscrit médiéval (c.1000-1500)
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Manuscrits romans enluminés (vers 800-1150)
Fait partie de notre série de peintures de livres médiévaux.
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Histoire des peintures murales religieuses en Espagne.

Quelles sont les principales caractéristiques de l'architecture romane primitive ?

La structure emblématique fondamentale du roman était l'église. Puisque les églises ont été construites pour répondre aux exigences spécifiques de la liturgie, leur construction a changé au fur et à mesure que ces besoins changeaient. La relation entre une forme architecturale et sa signification se reflétait dans l'agencement des espaces intérieurs des églises, qui reposait sur la relation complémentaire entre la masse plastique du bâtiment et sa masse atmosphérique. Les architectes romans ont réutilisé les arcs en plein cintre, les massifs muraux et les voûtes en berceau des Romains, mais ils ont également introduit des changements. En effet, bien que marqué par un plan cruciforme, le premier roman voit le dépassement des modèles byzantins et l'abandon du langage formel de l'Antiquité classique. La colonne a été remplacée par les espaces des piliers précédemment laissés vides ont été remplis de murs épais, formant des masses compactes (comparer les conceptions de style gothique) et l'élévation des murs a été divisée en trois, voire quatre niveaux (arcade, galerie, triforium et claire-voie). Le changement structurel majeur, résultat des progrès des techniques de construction, a été la capacité progressive de couvrir les églises de plafonds voûtés. La nécessité d'agrandir le chœur et de modifier la disposition du presbytère - pour permettre aux pèlerins de déposer des reliques du passé et d'autres trésors ecclésiaux précieux - a conduit à des changements révolutionnaires dans les extrémités orientales des églises. L'adoption du chœur à déambulatoire, en combinaison avec le transept et la tour croisée, a conduit à une variété d'articulations spatiales. La réalisation de visuels, de perspectives et clair-obscur les effets à l'intérieur ont abouti à la création d'une structure articulée à l'extérieur, avec des combinaisons variables de volumes décorés d'éléments stylistiques de l'antiquité, tels que des bandes de pilastres, des arcs suspendus et des arcades aveugles.

L'abbaye de Cluny (commencée au Xe siècle), grâce à l'innovation de composition d'un deuxième transept pour augmenter la capacité de l'église, est l'aménagement le plus grandiose de tout le Moyen Âge. Avec une nef et des bas-côtés doublés et un chœur déambulatoire avec des chapelles rayonnantes, un grand narthex et sept tours, c'est une structure si monumentale que l'implication des grands abbés, notamment Pierre le Vénérable, fut probablement décisive à la fois dans sa planification et son exécution. . Remarque : Fondé en 909 par Guillaume duc d'Aquitaine, l'ordre clunisien s'est fait connaître pour son expression artistique et s'est tenu au courant des innovations techniques en matière de conception architecturale. L'ordre considérait la liturgie comme le point central de la vie monastique et la célébrait avec une magnificence étonnante, utilisant des espaces agrandis pour le chant choral et de nombreux autels pour les messes privées.

Quelles sont les principales caractéristiques de conception du roman mature ?

Le roman avait atteint sa maturité à la fin des années 1060. Il y a eu l'adoption plus ou moins totale de la couverture de la voûte, symbole des progrès réalisés dans les techniques de construction mais aussi un choix stylistique délibéré, et des expérimentations ont été faites sur certains aspects constructifs et formels des églises, tels que les systèmes d'articulation des murs, qui étaient encore divisés en baies avec une élévation sur plusieurs niveaux. Cette articulation ne s'appliquait plus exclusivement à la nef mais s'étendait à toute l'église, aux murs des transepts, au presbytère, aux absides, voire à l'extérieur.

Les changements dans l'architecture de l'église étaient liés à des objectifs figuratifs précis : accueillir, abriter et embrasser les fidèles dans un cadre à la fois majestueux et digne, conçu selon des lignes de perspective pour donner une impression de profondeur, le tout culminant dans l'abside déambulatoire. Les intérieurs des églises étaient un matériau complexe et densément moulé caractérisé par de forts contrastes de clair-obscur qui renforçaient les contours plastiques des colonnes et augmentaient le sens de la densité atmosphérique et de la profondeur spatiale en couches. Du point de vue structurel, cela a été rendu possible grâce à l'adoption du système des baies prises comme unités spatiales. le suivant, une addition de cellules dans un ordre rigidement symétrique. La traversée isolée était devenue un élément normal qui constituait le pivot de l'édifice, conférant ordre et mesure. Le mur lui-même a subi une transformation. Il était désormais structuré comme une masse plastique démontable et dans laquelle l'espace pouvait pénétrer par des ouvertures pratiquées dans sa surface, créant parfois des galeries internes le long desquelles les gens pouvaient se déplacer. À ce moment-là, la jetée avait pris la place de la colonne presque partout en Italie, l'ornementation et les sculptures murales sont devenues plus courantes, mais sans étouffer la fonction architecturale du mur. Certaines expressions de l'architecture romane semblent indissociables de leur cadre naturel.

Des exemples remarquables sont l'abbaye du Mont-St-Michel en Normandie, (la maison régionale de la tapisserie romane de Bayeux) suspendue entre la terre et l'eau, la basilique de Sainte Foy à Conques, située au sommet d'une falaise abrupte en Auvergne, ou la cathédrale de Trani, en Italie, surplombant l'Adriatique, son clocher servant de phare de bienvenue aux marins. La cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle, but final des chemins de pèlerinage au tombeau du saint apôtre (Saint-Jacques), malgré sa taille monumentale, reprend en grande partie les modèles de construction de l'époque : une basilique avec une nef et deux bas-côtés avec galeries, transept et choeur avec déambulatoire. Du fait de l'absence d'éclairage direct de la nef, l'immense espace est plongé dans une pénombre qui fait ressortir l'articulation sévère de l'architecture. Seul le chœur est couronné de fenêtres qui jettent une illumination presque mystique sur le tombeau de saint Jacques.

L'architecture romane en bref

Les architectes romans ont construit une grande variété de bâtiments différents, dont les plus courants étaient : églises de village, églises abbatiales, cathédrales et châteaux. Les plus importantes étaient les grandes églises abbatiales, dont beaucoup sont en usage. Les caractéristiques typiques de l'architecture romane comprennent :

Arcs en plein cintre
La plupart des arcs étaient semi-circulaires bien que quelques bâtiments (Cathédrale d'Autun, France Cathédrale de Monreale, Sicile) aient des arcs brisés. Les fenêtres/portes étroites peuvent être surmontées d'un linteau en pierre. Les plus grandes ouvertures étaient presque toujours cintrées.
Murs épais
Ces murs de soutènement massifs avaient des ouvertures peu nombreuses et relativement petites et éliminaient presque le besoin de contreforts.
Arcades
Il s'agissait d'une fonctionnalité particulièrement populaire. Remarque : une arcade se compose d'une rangée d'arcs, appuyés sur des colonnes ou des piliers. Les colonnes étaient soit des colonnes à tambour (si petites) soit des colonnes creuses (si grandes). Les piliers étaient généralement construits en maçonnerie et étaient soit carrés, soit rectangulaires. Les chapiteaux des colonnes étaient généralement de style corinthien feuillagé.
Toits
Ceux-ci ont été fabriqués à partir de bois, puis de pierre. Les toits voûtés comportaient généralement des voûtes en berceau et des voûtes d'arêtes en pierre ou en brique. Finalement, ceux-ci ont évolué pour devenir l'arc nervuré pointu utilisé dans l'architecture gothique.
Tours
Ceux-ci étaient une caractéristique régulière des églises romanes. Types inclus : tours carrées, circulaires et octogonales.

Histoire (Brève présentation)

L'architecture préromane était le style de la maison du roi Charlemagne, souverain des Francs (768-814). Après son couronnement par le pape Léon III en tant que premier empereur romain germanique, l'architecture romane s'est répandue dans tout son empire, qui comprenait une grande partie de la France, des Pays-Bas, de l'Allemagne, du nord de l'Italie et de certaines parties de l'Espagne, ainsi que la Grande-Bretagne et la Scandinavie. Soutenu également par les empereurs ottoniens au Xe siècle, le style roman a également été adopté par le puissant ordre clunisien, comme en témoigne son siège à l'abbaye de Cluny, en France, et par ses magnifiques églises de pèlerinage de St Martin à Tours, St Sernin à Toulouse, et la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle, en Galice, Espagne.

Au Xe siècle, la période des grandes invasions qui menaçait continuellement l'Occident depuis sept siècles venait de s'achever et l'édifice religieux était sur le point d'atteindre la perfection. Désormais, le Xe siècle, bien qu'encore troublé, devient une grande période de construction. Les structures qui avaient été brûlées ou démolies par les Normands ont été rapidement reconstruites. Un tout nouveau goût s'est développé, point de départ vers un art frais et logique : utilisation de la pierre fine, décoration issue des éléments de base, tels que les chambranles, et couleur obtenue non pas à partir de briques encastrées mais à partir de cordons en saillie opposés au noir. et blanc et ainsi donner vie aux murs noirs. Hormis la solution au problème de la voûte, tous les ingrédients du style roman postérieur étaient déjà apparents dans ces édifices.

La seconde moitié du siècle vit un renouveau artistique initié par l'empereur Otton et ses fils. (Voir aussi : Art ottonien vers 900-1050) Comme nous le verrons, l'architecture y joua un rôle essentiel, se distinguant par la continuité des formules paléochrétiennes et carolingiennes. Certaines des innovations notables de cette période, dont l'implantation d'un transept organiquement lié aux autres membres de l'édifice, conduisent directement au plan roman cruciforme, noyau de ses plus beaux aménagements. Au milieu des années 90, les routes à travers les Alpes sont enfin débarrassées des brigands et la voie est rouverte pour les échanges entre l'Italie, la France et les terres allemandes. Il y a un lien certain entre l'assouplissement de cette situation et les migrations d'artisans de Côme qui, avec une extraordinaire aptitude à l'expansion, ont transmis leurs techniques de construction obscurément élaborées à travers les vallées et les cols alpins vers des pays lointains.

En 962, l'empereur Otton Ier, alors au sommet de sa puissance politique, suit l'exemple de Charlemagne et reçoit la couronne impériale des mains du pape à Rome.Le but de cet acte n'était pas seulement de sceller l'accord en soulignant que la papauté dépendait de l'Empire. L'Empereur revendiquait la fondation d'un ordre stable fondé sur la foi chrétienne, et il savait bien que personne en Occident ne lui contesterait ce privilège. Pour l'empereur allemand, tous les rêves d'hégémonie paraissaient permis et l'architecture était le premier des arts à témoigner de la splendeur impériale.

Tout comme Charlemagne l'avait fait avant lui, Otton se tourna vers Constantinople, mariant son fils à la fille de l'empereur Jean Tzimisces. Sous son petit-fils Otton III, l'Empire s'enrichit d'un ascendant qui profite à toute l'Europe. Entre l'Empereur, connu de la postérité sous le titre étrange et intraduisible de « mirabilia mundi », et Gerbert d'Aurillac, devenu pape Sylvestre II en 999, il existait un lien d'âmes. C'était la majesté de la Pax Romana sans pour autant recours aux armes. Otto mourut prématurément en 1002, et sa mort marqua une faute dans le développement politique de l'Europe. Avant la fin du siècle, sa coalition utopique allait se briser brutalement contre le rocher de Canossa.

Toute la situation a changé. Au onzième siècle, la papauté n'était plus faible et docile comme au siècle précédent. Hildebrand succéda au trône de Saint-Pierre, sous le nom de Grégoire VII, en 1073. Né paysan toscan, il avait prononcé ses vœux dans le monastère bénédictin de Sainte-Marie sur l'Aventin, devint aumônier du pape Grégoire VI puis moine à Cluny où il eu des contacts avec l'abbé Odilo et le grand prieur Hugh. Par la suite, il fut fait cardinal, devint conseiller de Léon IX et légat en France et en Allemagne. Par son attitude intrépide, il suscita la colère du roi d'Allemagne, Henri IV, qui le déposa froidement à Worms avec l'aide d'un conseil fidèle à ses intérêts. La réponse de Grégoire fut d'absoudre les sujets allemands d'Henri de toutes obligations envers leur souverain. Leur sévère réconciliation à Canossa - qui symbolisait la soumission du pouvoir séculier à la papauté - n'était que temporaire et le retour à l'antagonisme dura jusqu'au concordat de Worms durement gagné en 1122.

L'ordre clunisien : une force derrière la civilisation romane

Les répercussions dramatiques de cet antagonisme se limitèrent aux deux protagonistes : l'Allemagne vacillante entre le Pape et l'Empereur, et l'Italie papale. L'Europe entière, cependant, a souffert de cette vague de troubles. En dehors de partisans équivoques et d'opportunistes secrets, le Saint-Siège avait au moins le soutien toujours fidèle de la force de Cluny portée à son zénith par un siècle et demi de progrès. Par la volonté expresse de son fondateur, le duc Guillaume d'Aquitaine, la petite communauté des bords de la Grosne fut reconnue comme une possession directe de Saint-Pierre sous le patronage duquel le duc l'avait volontairement placée. Il continua à bénéficier de l'exemption des Papes, de sorte que son expansion reposait sur une indépendance jalousement maintenue des pouvoirs temporels et spirituels locaux. Les éminents abbés de Cluny, d'Odon, d'Aimard et de Mayeul entreprirent de transformer leur humble monastère en une puissante influence et d'initier une réforme bien nécessaire de l'Église et de ses mœurs. Liés par l'affection et une déférence mutuelle envers les souverains allemands, Mayeul et son successeur, saint Odilon de Mercœur, acclamèrent leur consécration en tant qu'empereurs, et Hugues de Semur qui suivit Odilon en 1049 était le parrain d'Henri IV. La lutte qui s'ensuivit entre le roi allemand et Grégoire VII le mit dans une position embarrassante et inconfortable. A Canossa, il intercéda de tout cœur pour le roi pénitent, mais il était et continua d'être du côté du pape. Lorsque, quelques années plus tard, Grégoire, pour récompenser l'Abbé de sa fidélité, fit publiquement l'éloge de l'abbaye de Cluny, il ne faisait que réaffirmer ce qui était déjà bien connu. Bien qu'autrefois peu influente, la protection de la papauté réaffirmée était une aide puissante à la consolidation de la vigueur de Cluny qui faisait à la fois offrande de son prestige et de ses vastes ressources. Les Papes ont renforcé l'abbaye avec des privilèges et des garanties s'étendant à toute la Congrégation ainsi qu'à ses prieurés d'outre-mer.

Grégoire VII n'a jamais renoncé à son rôle de moine clunisien même lorsqu'il lui a succédé à la tête suprême de l'Église, et les papes Urbain II et Pascal II qui l'ont suivi étaient également clunisiens. Le pape Gélase II, expulsé de Rome de force par Henri IV, vint mourir à Cluny en 1119, et son successeur, Calixte Ier, y fut élu.

Lorsque, après la mort d'Honorius II, la faction Pierleoni opposa l'antipape Anaclet II au nouvel élu Innocent II, l'abbé de Cluny Pierre le Vénérable, à la différence du vacillant Bernard de Clairvaux, immédiatement déclaré pour Innocent, le reçut. et l'encourager. Il n'est pas exagéré que, de 1049 jusqu'à la fin du schisme en 1138, les fortunes de l'église romane puissent s'identifier à celles de Cluny.

XIe siècle : point culminant de l'architecture romane

L'architecture romane atteint son apogée au XIe siècle en s'appuyant sur l'année 1095 où Urbain II proclame la Croisade, et il serait vain de se demander ce qu'aurait été cette civilisation médiévale sans Cluny. Rappelons cependant qu'outre la grande église abbatiale édifiée par saint Hugues, nombre de ses chefs-d'œuvre remarquables étaient aussi des propriétés ou des fondations clunisiennes. En Bourgogne la liste comprend Vézelay reconstruite par Renaud de Semur, le petit-neveu de St Hugues, Paray-le-Monial, et St-Germain à Auxerre en Suisse romande, Payerne et Romainmotier en Nivernais, St Etienne à Nevers, La -Charite-sur-Loire, et Saint-Reverien en Bourbonnais, Souvigny, et Chatel-Montagne en Provence, Saint-Marcel-les-Sauzet, et Ganagobie en Roussillon, Arles-sur-Tech en Languedoc, Saint-Gilles-du- Gard, Morlaas, Moissac, Figeac, Marcilhac, Carennac et Beaulieu en Auvergne, Saint-Géraud à Aurillac et Mozat en Limousin, Saint-Martial, Chambon, La Souterraine et Uzerche en Saintonge, Saint-Eutrope en Poitou, Montierneuf en l'Ile-de-France, Longpont et Saint-Leu-d'Esserent en Angleterre, Lewes en Espagne, Fromista. Ces noms sont choisis au hasard parmi l'étonnante liste des édifices clunisiens recensés par le Dr Joan Evans. Ils témoignent surtout de l'éclectisme de Cluny qui ne s'est jamais imposé comme un prototype sur aucune de ses fondations filles et, malgré la centralisation organique favorisée par les abbés Odilo et Hugues, a permis aux goûts régionaux individuels de se développer librement.

L'ascétisme et ses effets sur l'architecture

Cette indépendance souple n'a pas survécu au déclin des Clunisiens. Avec les premières années du XIIe siècle, les cisterciens et, dans une moindre mesure, les chartreux reprennent la place autrefois occupée par Cluny dans les affaires religieuses. L'ascétisme originel des chartreux, l'austérité imposée aux cisterciens par saint Bernard et l'évolution de l'histoire elle-même déterminèrent désormais les prototypes auxquels les bâtisseurs de toute la chrétienté devaient se référer. La création des ordres militaires a également renforcé cette approche ascétique de la religion. Les églises conventuelles des Templiers et des Hospitaliers n'étaient pas remarquables par leur taille ou leur belle architecture, la plupart étant des bâtiments simples et de petite taille. Cette aspiration à la pauvreté, réaction contre le luxe excessif de l'Église, s'étendait même à Pierre le Vénérable, malgré son héritage artistique. De manière très significative, elle rejoint également les opinions exprimées par Pierre Abélard dans les directives qu'il écrivit à Héloïse. En fait, c'était l'aspiration de tous les réformateurs monastiques de la fin du XIe siècle et, d'ailleurs, coïncidait avec le mouvement de l'Islam qui répudiait tout aussi fermement les riches décors et parements des mosquées d'Espagne et du Maghreb. Il n'est donc pas hors de propos à ce stade d'attirer l'attention sur le fait que l'un des premiers exemples de ce changement de style architectural se trouve en Aragon, une région qui a eu des contacts avec la civilisation à la fois chrétienne et musulmane. A la fin du XIe siècle, la fondation royale augustinienne de Siresa cachée dans une des vallées des Pyrénées choisit une approche tout à fait austère qui s'oppose strictement à toute expérimentation ornementale ou figurative.

Tout au long des XIe et XIIe siècles, des maisons religieuses rivales continuent de se constituer, et d'autres chartes abbatiales que celles de Cluny témoignent de la fondation de prieurés de campagne consacrés à la culture de la terre. Les grandes routes commerciales sont rouvertes avec une vive augmentation du trafic à travers les Alpes désormais libérées des pillards locaux, marchands de Flandre, de Rhénanie et des villes de Lombardie mêlés aux soldats en campagne, aux abbés en mission et aux pèlerins en route pour Rome. Autour des abbayes implantées près des portes de la ville, des faubourgs commerçants se développent et un goût vivifiant de l'aventure succède à la lourde inertie sociale du Xe siècle. L'une des expressions les plus frappantes de cet état d'esprit fut sans doute le développement des pèlerinages.

En fait, ceux-ci n'avaient jamais complètement cessé. Même pendant les années les plus troublées des IXe et Xe siècles, des esprits hardis s'enflammèrent d'enthousiasme et bravèrent toutes sortes de dangers pour embrasser le rocher du Calvaire et baiser les tombeaux des apôtres. Avec le onzième siècle, cependant, commença une période troublée qui réfuta une fois de plus la théorie d'une aube nouvelle sur le point de se lever. Le calife fou Hakim a saccagé et détruit les fondations latines et, par la suite, les empereurs byzantins ont pris la place de ceux d'Occident dans la tâche de restaurer et de sauvegarder les Lieux Saints. La chrétienté romaine, cependant, était torturée par le remords et remplie du désir de regagner le tombeau du Christ plus encore que le chemin de pèlerinage qui n'avait jamais été complètement coupé même à la période des pires revers. Lorsque le pape clunisien Urbain II proclame la croisade à Clermont-Ferrand, il suscite un enthousiasme indescriptible qui montre que le moment est venu.

Les résultats de son expédition, la conquête de la Palestine et l'établissement du royaume latin sont multiples. Dans le domaine de l'architecture, la construction de l'église romane du Saint-Sépulcre était un signe extérieur à la fois de la puissance et de l'amour des croisés. Le principe de l'orientation des églises était si fortement enraciné dans cette génération repu de symbolisme que, même dans la ville durement gagnée de Jérusalem, le nouveau sanctuaire avait son chevet à l'extrémité est comme n'importe quelle autre église. À la rotonde de Constantin, reconstruite pour la dernière fois sur ordre de l'empereur Constantin Monomaque en 1045, s'ajoutait un plan cruciforme compact avec un large transept en saillie et un chœur semi-circulaire entouré d'un déambulatoire à trois chapelles rayonnantes. Au sud se trouve une double porte d'entrée entre le beffroi à gauche et la chapelle carrée du Calvaire à droite. L'édifice fut consacré en 1149 et offre un mélange de styles hérités d'Orient et d'Occident, avec notamment des motifs poitevins, bourguignons et languedociens. Il y a même une voûte d'ogives au-dessus des transepts.

Ce bâtiment impressionnant a dominé un vaste programme de développement d'églises, de monastères, de commanderies et d'hospices équilibrant la sécurisation des défenses frontalières par les immenses forteresses de Beaufort, Margat et Krak des Chevaliers. Ces édifices cyclopéens avec leurs redoutables murs de pierres brutes recouvertes de marques de maçon et leurs douves creusées dans la roche sont en fait les précurseurs des abris modernes en béton et dégagent le même sentiment d'oppression étouffante. Cette entreprise à grande échelle a introduit les méthodes de construction occidentales en Orient tandis que, simultanément, la vue des fabuleux trésors de Constantinople a allumé de nouvelles flammes dans l'imagination toujours vive des constructeurs chrétiens.

Le même débordement d'énergie abondante, à un niveau un peu plus réaliste, provoqua la double conquête de l'Angleterre et de l'Italie du Sud par les Normands moins de deux cents ans après leur établissement en 911. Ils introduisirent leurs grandes églises aux toits de bois, aux murs creux et tours-lanternes à la Grande-Bretagne et, entre 1066 et 1189, construit pas moins de douze cents châteaux qui ont progressivement bénéficié des leçons apprises par les architectes militaires dans les préparatifs des défenses de la Terre Sainte, les ruines de beaucoup d'entre eux peuvent être vus aujourd'hui dans toute l'Angleterre et Pays de Galles. Dans leurs territoires méditerranéens, à Monreale, Palerme et Cefalù, ils ont produit les plus étonnants mélanges d'influences arabes, byzantines et nordiques que l'on puisse trouver dans le monde roman.

Les deux autres grands pèlerinages à Rome et à Saint-Jacques-de-Compostelle étaient un peu moins dangereux que celui en Terre Sainte et, du Xe au XIIe siècle, étaient presque aussi populaires. Les travaux de restauration de l'itinéraire entrepris par le roi Alphonse V dans les premières années du XIe siècle coïncidèrent avec les progrès de la diffusion de l'Évangile parmi les Basques qui libérèrent bientôt les cols occidentaux des Pyrénées. Le refoulement obstiné des Arabes couronné par la conquête de la Rioja permit à Alphonse VI de Castille de poursuivre l'organisation systématique de la belle route qui reçut bientôt le titre de « camino ». Ce grand ouvrage impliqua la construction de plusieurs ponts et montra que, contrairement à ce qu'on a souvent supposé, le génie roman ne dédaignait pas les aides matérielles pour atteindre la versatilité. La puissance de Cluny vint au secours de l'entreprise, se fit sentir sur toute la longueur dangereuse de la route et lui apporta efficacement son soutien. Le mouvement d'innombrables pèlerins à travers les terres de la chrétienté, les va-et-vient des navires à travers la mer sous le signe équivoque de la Croix, les trésors dispersés, comme les dons des mages, autour des dalles sur lesquelles reposent les témoins du Christ, les hymnes et chants enveloppant les marcheurs - tout ce ferment est au cœur même de la civilisation romane.

Classification de l'architecture romane

L'éminent archéologue Pierre Lavedan a classé l'architecture romane selon le système de voûte adopté dans la nef principale. Il distingue trois groupes : (1) les églises à voûtes tunnel ou d'arêtes sans galeries sur les bas-côtés (2) les églises à voûtes tunnel ou d'arêtes avec galeries sur les bas-côtés et (3) les églises voûtées avec une série de coupoles. La première catégorie comprend la Bourgogne, le Poitou et la Provence la seconde comprend la belle série d'églises de la région de Clermont-Ferrand et le groupe dit des églises des chemins de pèlerinage et la troisième outre le groupe compact des églises à coupole en Angoumois, Périgord et Quercy , trois édifices distincts qui semblent avoir peu de rapport entre eux ou avec leurs environs : St Hilaire à Poitiers, Solignac et la cathédrale du Puy.

Ce classement a au moins l'avantage d'être original. Évitant habilement les théories antérieures, il reconnaît la préoccupation fondamentale des bâtisseurs romans - la recherche d'un système de voûte qui maintient un équilibre régulier, et prend note des solutions variées proposées. De temps en temps, des églises en bois étaient détruites par de grands incendies, ce qui incitait leurs constructeurs à utiliser la pierre au lieu de matériaux inflammables. Les voûtes en pierre conféraient également à l'intérieur une dignité, une unité et une solidité structurelle bien plus grandes que celles que l'on pouvait obtenir à partir de voûtes en bois ou de plafonds plats. Limiter le champ de l'expansion romane aux églises voûtées est cependant une restriction trop sévère et entraîne l'élimination complète de la Scandinavie. Les nefs à pans de bois des XIe et XIIe siècles n'indiquent pas la survivance d'une tradition désuète dans la construction d'églises. par des architectes romans.

Les églises de pèlerinage

Certains architectes et archéologues ont identifié une école distincte connue sous le nom d'« églises des chemins de pèlerinage ». Cela ne comprend que trois bâtiments survivants: l'église abbatiale de Conques, l'église Saint-Sernin à Toulouse et la cathédrale de Compostelle. Il y avait aussi, cependant, deux églises aujourd'hui détruites : le sanctuaire de pèlerinage de Saint-Martin à Tours et l'église abbatiale de Saint-Martial à Limoges. L'édification de ces cinq églises s'étend sur tout le XIe siècle et se prolonge jusqu'au suivant, conservant une fidélité remarquable à la conception originelle. C'était sur une échelle généreuse pour permettre la manipulation de grandes foules. la nef. La diffusion de cette formule a donné lieu à quelques édifices marquants ailleurs, notamment St Rémy à Reims, Saint-Sauveur à Figeac et les églises de Marcilhac et St Gaudens. On peut aussi noter des rapprochements avec les grandes églises romanes de Basse-Auvergne, et le rythme ternaire harmonieux de St Etienne à Nevers semble bien en dériver.

Il y eut aussi la croyance simultanée qu'il était possible de résoudre une autre énigme de l'architecture romane qui avait constitué une pierre d'achoppement dans la classification des écoles provinciales, en recourant à la théorie des routes. L'Aquitaine possède un magnifique ensemble d'églises réparties entre l'Angoumois, la Saintonge, le Périgord, le Quercy et le Limousin, qui sont voûtées d'une série de coupoles. Il s'agit de la toiture du chœur, de la nef et des transepts, ainsi que de la croisée. Cette disposition donne un effet monumental saisissant complètement différent des divisions étroites formées par les nefs voûtées plus habituelles : elle agrandit l'espace intérieur au maximum et le plan qui en résulte est défini par une succession de carrés parfaits pénétrés par des vagues de lumière et offrant une visibilité totale car il n'y a pas de piliers intérieurs. Il y a un mouvement rythmique de baie en baie qui semble s'inspirer des dômes gonflés. Les zones extérieures ne sont pleinement développées que dans les chevets avec leurs petites absides rayonnantes. En période d'insécurité comme la croisade contre les Albigeois et la guerre de Cent Ans, ces bâtiments étaient facilement adaptables à des fins de défense.

Ces églises peuvent avoir dérivé de l'art byzantin chrétien, mais leur regroupement et leur distribution restent des sujets de discussion. En dressant le bilan de ces églises à coupoles, on a constaté dernièrement qu'elles étaient dispersées le long de la voie romaine qui menait de Rodez à Cahors et de là à Saintes en passant par Périgueux et Angoulême, et qu'elles étaient encore en usage à l'époque romane.Mais pourquoi, de toutes les grandes routes traversant la France médiévale empruntées aussi bien par les pèlerins que par les trafics d'affaires, celle-ci aurait-elle été la seule à produire une formule architecturale vigoureusement définie ? Pourquoi l'extension de ce type vers l'est s'est-elle éteinte sur les premiers versants du Massif Central, alors que la distance entre Rodez et l'Auvergne, le Velay et la Méditerranée n'est en réalité plus que celle couverte par la partie ouest de l'ancienne route ? Cette théorie de la route n'est qu'approximative et n'explique pas les manifestations les plus lointaines du style, perdu au milieu de bien d'autres formes, à St Hilaire à Poitiers, à l'église abbatiale de Fontevrault en Touraine et à la cathédrale du Puy.

A l'origine, les grandes églises romanes resplendissaient de riches matières, de dorures, de couleurs et de lumière. Leur architecture régnait en maître, les sculptures de pierre entourant leurs portes lui étaient subordonnées. L'intérieur de certaines églises était entièrement recouvert de peintures murales, l'exemple le plus célèbre étant Saint-Savin-sur-Gartempe où la section de la voûte au-dessus de la nef principale a été modifiée au fur et à mesure des travaux. La restauration récente de l'église de pèlerinage Saint-Julien à Brioude a révélé des traces de couleurs fortes et de marbrures audacieuses sur les piliers. Il semble y avoir eu un goût particulier pour ces bâtiments magnifiquement colorés dans tout le Poitou, la Touraine et l'Anjou, mais les tons délavés et veloutés que nous voyons maintenant ne sont que des approximations des originaux. Dans ces régions, l'extraordinaire richesse et vivacité des peintures murales n'apparaît pas, comme ailleurs, un substitut commode à l'art perdu de la mosaïque, mais une technique à part entière, accomplie, hautement inventive et conforme à sa propre personnalité. lois.

Le manque d'ateliers locaux avec les qualifications appropriées a souvent provoqué le remplacement des grandes compositions peintes par de simples semblants de décoration. Cette uniformité était cependant couronnée par les rehauts de décors peints appliqués aux chapiteaux et aux tympans, et s'étendant jusqu'aux représentations triomphales du Christ en majesté entouré des symboles des évangélistes dans les absides. Dans les coins impairs de l'église sur des espaces libres de mur spécialement préparés à hauteur des yeux, un artiste imaginatif représenterait un saint patron ou une scène édifiante dont l'apparition inattendue perturbait la symétrie des murs. Cela a contribué à l'expansion flexible de la vie libre et spontanée qui a amélioré les églises médiévales et les a empêchées de devenir stéréotypées et monotones.

Une atmosphère de lumière et de couleurs éclatantes semble avoir été l'un des besoins spirituels fondamentaux du roman. Pierre le Vénérable, connu pour son détachement et sa volonté de restreindre l'ordre clunisien à une vie d'ascèse, fit jadis allusion à l'impression que lui firent les peintures d'une chapelle clunisienne, "de loin la plus belle de toutes les églises de Bourgogne".

Ce sentiment de plaisir inclus objets d'art, en particulier le travail des orfèvres qui était considéré comme essentiel à l'architecture et qui en renforçait l'effet. Autels, auvents, lustres et luminaires étaient incrustés d'or, d'argent, d'émail et de pierres précieuses. Le trésor miraculeusement conservé de l'abbaye de Conques nous donne une idée de l'attrait de telles richesses. Conques n'était pas la seule abbaye en mesure d'embellir sa magnifique église avec des objets d'artisanat et des ornements précieux. Chaque monastère, cathédrale et sanctuaire de pèlerinage se sentait obligé de rassembler et d'entretenir un trésor qui pourrait être un signe extérieur de sa renommée. En matière d'archéologie romane, il est toujours indispensable de se référer à Cluny : ici, un inventaire des reliques, bijoux, ornements liturgiques et manuscrits enluminés, réalisé en 1304, recense pas moins de 225 pièces, dont la plupart remontent probablement à l'époque romane. période.

Est-il vrai que les édifices romans sont l'œuvre d'ouvriers talentueux mais collectivement anonymes, et sans prétention à l'individualité, alors que l'architecture gothique vit le renouveau du maître architecte créateur de la conception et chef suprême de l'atelier. Jusqu'à tout récemment, le roman était considéré comme un art des maçons, mais le jugement contemporain est plus juste.

Il ne fait aucun doute que les architectes romans possédaient peu de connaissances mathématiques, mais cela était compensé par une compétence acquise qui, par son audace même, rappelle parfois celle des architectes modernes travaillant le béton armé. Ce n'étaient pas des ingénieurs de formation, mais des hommes pratiques sortis du sol et sensibles à ses rythmes et à son puissant empirisme. Comme cela a souvent été noté, pour réaliser la croix, ils ont utilisé des formes géométriques simples : carrés, rectangles, cercles et demi-cercles, renonçant aux formes élégantes mais exagérées des styles arabe et mozarabe. Ils ont fait des agrandissements et des ajustements précis à l'aide de combinaisons symboliques de figures connues depuis l'Antiquité, mais il convient d'être extrêmement prudent dans la vérification de celles-ci sur le terrain aujourd'hui. Il est assez sûr de dire que les architectes romans, comme tous les créateurs vraiment inspirés, étaient capables de visualiser leurs édifices finis à partir du moment où leurs fondations étaient posées, ils projetaient et dessinaient des dessins qui s'accrochaient au sol et perfectionnaient le paysage. Ils n'ont pas hésité à remodeler et à réviser leurs plans au fur et à mesure qu'ils travaillaient, démolissant parfois ce qu'ils avaient déjà construit s'ils pensaient que les résultats profiteraient à la composition globale.

Ils étaient serviteurs plutôt que maîtres de leurs desseins et conservaient le droit d'apporter des modifications jusqu'à l'achèvement des travaux. Ainsi, au début du XIIe siècle, le chœur de l'église prieurale clunisienne de La Charité-sur-Loire fut démoli, alors que les travaux préliminaires venaient à peine d'être achevés, et reconstruit à plus grande échelle, peut-être parce qu'il avait été jugé trop petite pour l'importance d'une église qui attirait tant de pèlerins. A Saint-Savin-sur-Gartempe, il y a eu une reconstruction imprévue encore plus spectaculaire. Ici, l'architecte avait visualisé une nef avec une voûte en tunnel appuyée sur des arcs transversaux, et les trois premières travées occidentales ont été érigées sur ces lignes. L'œuvre du peintre de fresques semblait cependant si prometteuse que l'architecte en chef lui a apparemment cédé la place et a supprimé tous les autres arcs prévus pour que l'artiste puisse utiliser la vaste étendue de mur résultante.

Laissant de côté pour le moment les énormes cathédrales rhénanes et les principales églises de pèlerinage qui excitent tant d'admiration aujourd'hui, il existe de nombreux édifices bien connus d'importance secondaire qui ont tellement d'individualité qu'il est presque impossible de nier la main d'un maître architecte incontesté. . Pour prendre un seul exemple parmi les innombrables disponibles : le chœur de l'église de Château-Meillant en Berry. Cela fait grand honneur à son constructeur anonyme avec son éventail saisissant de sept absides et ses combinaisons aérées d'arcs percés jumelés soutenus par des colonnes minces afin qu'elles communiquent entre elles. Pour prendre un exemple plus célèbre, le cloître de Moissac avec sa composition assurée, sa succession harmonieuse de minces colonnes simples et doubles, et son enchaînement de chapiteaux évasés identiques, dénote d'abord l'habileté avérée d'un architecte talentueux mais modeste qui n'a pas juge bon de laisser son nom à la postérité sur l'inscription commémorant le bâtiment actuel.

Église abbatiale bénédictine de Charroux

Tragiquement, on ne peut associer aucun nom d'architecte à l'étonnante église abbatiale de Charroux en Poitou. Avant sa destruction gratuite, ce devait être l'une des plus parfaites et des plus originales de toutes les réalisations romanes. L'abbaye bénédictine de Charroux fut fondée dans la seconde moitié du VIIIe siècle et devint célèbre grâce au concile qui s'y tint en 989 pour tenter d'instaurer la paix de Dieu. Il possédait également un trésor de saintes reliques dont certaines avaient en fait été manipulées par le Christ. Pour les abriter et les présenter avec la solennité voulue aux pèlerins adorateurs, un programme de construction exceptionnellement ambitieux a été conçu, impliquant un mélange audacieux des deux plans apparemment incompatibles hérités du monde roman : la basilique cruciforme et la rotonde. Jusqu'à présent, ces deux conceptions traditionnelles avaient été soit traitées séparément, soit simplement juxtaposées. Il appartenait à l'architecte inconnu de Charroux dans le premier tiers du XIe siècle de réaliser leur combinaison organique en insérant une vaste rotonde au cœur de son édifice, au croisement. Ici, il y avait un espace central d'où les pèlerins pouvaient contempler les reliques dans la crypte. Celle-ci était délimitée par huit piliers à quatre lobes et prolongée par un triple déambulatoire qui diminuait de hauteur. De larges transepts avec de petites absides sur leurs côtés est projetés au nord et au sud, et un chevet semi-circulaire, probablement avec de petites absides rayonnantes, prolongeaient la rotonde à l'est. Les fidèles entrant dans la nef ont dû être frappés par l'immense hauteur de la croisée qui était remplie de lumière pénétrant par les nombreuses travées. Un double système d'arcs superposés entourait l'espace central avec son autel surélevé, les inférieurs servant de supports. Au niveau du sol, le plan était circulaire, mais plus haut, il devint octogonal pour recevoir les segments des hautes voûtes du tunnel au-dessus du premier des déambulatoires. Malheureusement, tout ce qui survit de ce bâtiment impressionnant et unique est la tour-lanterne dominant les toits trapus de la petite ville endormie.

A quelques exceptions près, les noms et fonctions de la plupart des grands bâtisseurs de l'époque romane - architectes, dessinateurs, tailleurs de pierre, etc. - nous sont inconnus. Nous savons cependant que les monastères ont été le moteur d'une grande partie de l'édifice. Guidés par leurs grands abbés, ces anciens monastères - qui avaient désespérément tenté de maintenir une vie civilisée dans leurs murs pendant les âges sombres - furent parmi les premiers à s'inspirer du renouveau culturel et architectural que fut le roman. Presque tous les monastères d'Agaune et Payerne à Tournus, Jumièges, Tours, Saintes et Conques se sont transformés en un vaste atelier développant des expériences audacieuses. La fertilisation du sol, les échanges mutuels et les domaines agrandis augmentaient sans cesse leurs ressources. Indépendamment du coût, ils ont dépensé des sommes énormes pour la construction d'églises qui étaient tout à fait hors de proportion avec leurs besoins réels, mais considéraient que ces luxes suprêmes étaient des offrandes à Dieu plutôt qu'à eux-mêmes. Ils ont fait transporter des matériaux de valeur sur de grandes distances. (Voir également:

Mais identifier les fonctions des individus n'est pas chose aisée. Il faut d'abord distinguer entre le maître d'œuvre et le technicien chargé de la direction de l'atelier, et les équipes de carriers, constructeurs et décorateurs. La Chronique de Saint-Bénigne qui décrit la reconstruction de l'église abbatiale bénédictine de Dijon peu après 1100 est des plus éclairantes sur ce point. Il montre que la direction de l'entreprise était partagée entre deux autorités. L'évêque de Langres, qui a initié la restauration de l'ancien monastère, s'est chargé de l'administration financière et a organisé le transport des matériaux jusqu'au site. A l'abbé Guillaume incombait la double tâche de "préciser le travail lui-même" et de "diriger les ouvriers".

Deuxièmement, juste parce qu'un nom est gravé sur une pierre, cela ne signifie pas nécessairement que la personne concernée a joué un rôle important dans les travaux de construction. De nombreuses capitales romanes en Espagne, en Italie et en France portent des signatures, mais beaucoup de ces noms inexpliqués soulèvent des problèmes inexplicables. Sur le portail de la cathédrale de Ferrare, par exemple, se trouve la signature de maître Nicolo, l'un des premiers sculpteurs identifiés de l'Italie romane. Son travail montre l'influence byzantine, mais son talent individuel confère à ses sculptures un réalisme dramatique. Il est peut-être responsable des beaux reliefs de la façade de San Zeno à Vérone, mais son identification avec le Nicolo qui, en 1135, signa un chapiteau dans la Sacra di San Michele dans le Piémont n'est nullement certaine.

La signature la plus célèbre de l'art roman était sans doute : "Gislebertus hoc fecit" (Gislebertus a fait cela). Celui-ci est fièrement placé aux pieds de la figure du Christ du Jugement dernier posée au-dessus de la porte ouest de la cathédrale Saint-Lazare d'Autun. Gislebertus était un nom très répandu à cette époque et les textes contemporains en citent plusieurs dans la seule Bourgogne du Sud. Celui-ci est généralement considéré comme Gislebertus (actif 1ère moitié 12ème siècle) le sculpteur doué de la composition au-dessus de la porte ouest et de la plus grande partie des chapiteaux très particuliers de l'intérieur. Le sculpteur a même été appelé le Cézanne du roman, idée séduisante, quoique dangereusement équivoque. Alors que Cézanne, au cœur du renouveau impressionniste, a ouvert la voie au développement de la peinture contemporaine, Gislebertus, en 1130, a vu les derniers rayons de la suprématie romane d'ailleurs, derrière lui, était le poids écrasant de l'héritage de Cluny dont il n'a jamais osé se libérer complètement

L'église abbatiale de Cluny

Tout au long du XIe siècle, la vie liturgique de la grande abbaye de Cluny se déroule sur fond d'église commencée par l'abbé Aymard, probablement après 948, et consacrée pendant la période d'office de l'abbé Mayeul en 981. Cet édifice, datant de la toute fin de la période préromane, était certainement important même s'il ne s'agissait en aucun cas d'un chef-d'œuvre. De plan basilical, sa nef de sept travées était non voûtée, flanquée de bas-côtés, et coupée d'un transept étroit qui débordait largement du corps de l'église, chaque bras se terminant par une petite abside semi-circulaire. Le chœur en retrait avait des piliers et une abside semi-circulaire flanquée de deux petites absides qui dépassaient des murs droits. Entre les bas-côtés du chœur qui donnaient accès à ces chapelles et les petites absides aux extrémités des transepts s'inséraient deux longues salles rectangulaires divisées par des cloisons intérieures et reliées par des passages étroits soit aux transepts, soit au sanctuaire. La composition développa librement le plan monumental des absides graduées, dit bénédictin en raison de son utilisation fréquente, mais non exclusive, par cet ordre. Les architectes romans en tirèrent de beaux effets. La nef de Cluny était précédée d'un narthex ou galilée qui annonçait les beaux porches fermés flanqués de tours qui furent l'œuvre de la génération suivante.

La construction fut reprise par l'Abbé Odilo qui ne limita pas son activité à Cluny mais se consacra à de nombreuses églises ailleurs, dont Payerne, Charlieu, Ambierle-en-Forez, Ris et Sauxillanges en Auvergne, Souvigny, Saint-Saturnin-du-Port en Provence , et Lavoute-sur-Allier qu'il fonda sur l'un de ses propres domaines et devint plus tard le point de départ d'un des chemins de Saint-Jacques. A Cluny, il consacra ses dernières années à la construction d'un beau cloître, mais restaura d'abord tous les intérieurs, à l'exception des murs de l'église : on pense qu'il fit construire une voûte en pierre, remplaçant la toiture en bois.

Cette église, longue d'un peu moins de 150 pieds, suffisait aux besoins d'une communauté de taille moyenne. L'accroissement continuel du nombre des frères au cours du XIe siècle le rendit cependant trop petit, et l'abbé Hugues de Semur dut envisager non seulement la reconstruction et l'extension, mais la construction sur le terrain au nord, d'une abbaye. église surpassant toutes celles de la chrétienté occidentale en taille. Un lourd tribut annuel tiré des rois d'Espagne assurait le financement de l'entreprise conçue comme la manifestation extérieure du pouvoir du chef de l'ordre. La conception de la nouvelle église avec sa nef de onze travées flanquée de doubles nefs pour équilibrer sa longueur, ses deux transepts et son déambulatoire à petites absides rayonnantes était si magnifique qu'elle lui valut le nom de « marche de l'ange ». Décorée de sculptures, de mosaïques et de peintures murales, et enviée par tout le christianisme, l'église abbatiale Saint-Hugues restera pendant sept cents ans la fierté de l'ordre clunisien.

La cathédrale de Compostelle

Peu de temps auparavant, au XIe siècle, la cathédrale de Compostelle fut agrandie grâce à une triple collaboration. L'évêque Diego Pelaez qui occupa le siège de 1070 à 1088 décida de reconstruire la basilique commandée par Alphonse le Grand à la fin du IXe siècle, dévastée par le pilleur Almanzor et restaurée par Alphonse V. La direction générale des travaux fut confiée à des représentants qualifiés de le chapitre de la cathédrale, dont l'un, Bernard, dit l'Ancien, était responsable du plan. D'après le « Guide des pèlerins » qui nous a laissé une précieuse description de la grande cathédrale, il était assisté d'un député nommé Robert et d'une cinquantaine de tailleurs de pierre. Le guide le décrit comme un tailleur de pierre, il l'appelle également «domnus», ce qui laisse penser qu'il pourrait avoir été un clerc, dont beaucoup, de l'avis des archéologues, étaient d'origine française. Certes, le nom Bernard n'est pas familier dans la langue espagnole. D'autres l'identifient au Bernard qui était trésorier du chapitre et était responsable de la fontaine monumentale qui accueillait les pèlerins de France sur la place au nord de la basilique. Quoi qu'il en soit, il possédait un talent vif et éclectique et travailla aux églises Saint-Martial à Limoges, Sainte-Foy à Conques et Saint-Sernin à Toulouse. Maître Stephen travailla également sur le chantier de Santiago avec des résultats si excellents qu'en 1101, on lui demanda de fournir les plans de la cathédrale de Pampelune.

Une organisation similaire fut privilégiée pour la construction du beau prieuré clunisien de Montierneuf à Poiters. Sous le commandement du prieur Guy, qui était le neveu de saint Hugues et s'est peut-être inspiré de son oncle comme patron et constructeur, les travaux furent dirigés par un moine nommé Ponce, assisté de Mainard, maître-maçon ou tailleur de pierre. . Ce bâtiment n'a été commencé qu'en 1077, mais l'église était soit terminée, soit presque terminée lors de sa consécration moins de vingt ans plus tard en 1096.

Une architecture pour se défendre contre la guerre et la calamité

Les édifices romans peuvent être grandioses ou intimes, de construction savante ou grossière, faits soit de blocs bien joints, soit de galets communs coulés dans le mortier. entités distinctes. Dans tous ces cas, l'architecture romane a évité la standardisation monotone de l'architecture romaine impériale, dont elle se réclamait et qui s'était propagée à travers le monde. Le contexte précaire de l'existence, incluant guerres, famines et épidémies, et l'ascendant des seigneurs féodaux suffisent à expliquer l'absence presque totale de tout souci d'urbanisme à grande échelle comparable aux majestueux schémas transmis par les anciennes civilisations de Est et ouest. En ces temps troublés, chaque zone habitée devait d'abord être une défense et un refuge.

Dans le monde roman, il n'y avait plus de voies triomphales bordées de tombeaux, de somptueux édifices ou d'arcades pour ravir les vains conquérants. Il faudra attendre le déclin de la civilisation romane pour que de nouvelles cités se créent, et retrouvent les secrets perdus des places et l'organisation logique de l'espace. Dans les villes romanes, les rues, les ruelles et les caniveaux aux noms pittoresques, plutôt que les avenues nobles, formaient un labyrinthe compliqué. Au lieu de temples ou de mausolées, ils étaient bordés par une confusion d'édifices sans rapport avec aucune loi mathématique. A Cluny au XIIe siècle, la rue d'Avril, probablement la plus ancienne rue de la ville, serpente, tel un ver de terre, entre des maisons basses et non alignées de tradition romane, à arcades jumelles d'ogives au rez-de-chaussée surmontées de galeries à arcades. .

Organisation de l'espace

Les maçons romans étaient loin d'être des théoriciens. Leur économie parcimonieuse, leur rejet absolu du gaspillage, leur praticité et leur goût pour la sécurité de préférence à toute forme d'élaboration coûteuse, étaient autant de bonnes vertus « paysannes ». Pour simplifier une situation complexe, chaque facette de l'architecture romane nous ramène à quelques règles très simples : l'organisation de l'espace en travées régulières, et la juxtaposition ou la superposition occasionnelle de masses conventionnelles disposées en cubes imbriqués. Toute avancée du progrès technique, qu'elle soit le résultat d'une migration d'artisans, d'un détail saisi par l'œil vif d'un architecte, ou d'une conquête politique, était adaptée pour s'inscrire dans cette esquisse schématique. Ainsi, l'architecture militaire profite des Croisades par la découverte des tracés complexes et des ronds-points des fortifications byzantines. Les vieux donjons du XIe siècle juchés sur leurs monticules artificiels ont pratiquement disparu ou se sont enfermés derrière un réseau de pupilles et de casemates. Leur construction impliquait l'emboîtement d'une série d'espaces quadrangulaires, ce qui posait bien moins de problèmes que la construction des tours rondes des murs de soutènement qui ont dû contribuer à la diffusion des voûtes en dôme. La construction de l'église, plus détaillée mais moins inventive, procède de la même manière.

Ce qu'il faut notamment apprécier, c'est le rythme spatial engendré par la succession des travées, comme un ballon qu'un groupe de joueurs passe de l'un à l'autre car c'est l'un des effets les plus riches et les plus évocateurs de l'architecture romane. Ce mouvement intérieur, induit par l'équilibre des éléments de base tels que piliers et arcs transversaux, arcades et fenêtres à claire-voie, trouve un écho dans les élévations extérieures rythmées par des contreforts et allégées par des baies et des arcades intermédiaires.

Baies indépendantes avec supports parfaits ou imparfaits

Ces deux catégories ne sont qu'apparemment contradictoires. La récession et l'évidement rendent les murs plus minces et plus légers à mesure qu'ils s'élèvent. L'encorbellement, quant à lui, fait reposer tout le poids d'un bâtiment sur un support amoindri par le jeu de marches successives qui submergent et divisent les pressions internes comme le mouvement d'ondes invisibles.

Les efforts des architectes romans se sont concentrés sur l'indépendance structurelle de la travée voûtée. L'élément de base était soit conduit à une organisation indépendante par l'interaction d'équilibres soigneusement élaborés, soit assisté par des appuis extérieurs. Tant de procédés et d'aménagements intérieurs différents ont résulté de ce choix qu'il serait presque possible de s'en servir comme base d'un nouveau système de classification de l'architecture romane. Les nefs uniques, si adaptées aux exigences de la liturgie (elles n'étaient pas séparées par des écrans), devaient pallier l'absence de contreforts par un système de cloître ou de voûtes en dôme qui contenaient leurs propres poussées. Les voûtes-tunnelles, en revanche, nécessitaient des contreforts qui ne pouvaient être efficaces que s'ils étaient appliqués au point de rupture probable ou à la base même de la voûte. Ces conditions créaient des bas-côtés voûtés en quart de cercle, notamment ceux qui supportaient des galeries si prisées des architectes d'Auvergne. Construit après 1000 à l'aide de techniques rudimentaires, le narthex de Tournus s'est avéré être l'une des constructions les plus magistrales et l'une des combinaisons spatiales les plus puissantes de toute l'architecture romane. A Cluny, moins de cent ans plus tard, on évite l'imparfait contrefort de la nef par les bas-côtés voûtés d'arêtes en les doublant et en les mettant en scène, contenant ainsi les contre-poussées opposées engendrées par la voûte en tunnel pointue de la nef elle-même.

Décoration architecturale

Pour accomplir sa tâche et faire revivre une collection de couleurs mortes, un peintre de fresques prend son pinceau et, en quelques coups fulgurants, accentue la lumière sur un visage, accentue la chute d'un drapé, ou accentue un contour. Son œuvre s'illumine et se transfigure comme soudainement projetée de l'ombre. Comme pour les croquis, la construction technique des masses équilibrées manque de cette touche finale de génie.

Dans l'architecture romane, la sculpture assume la fonction importante de la touche finale sans laquelle la plus belle charpente n'est plus qu'un squelette mort. Comme le décor peint à la surface d'un vase antique, il confère à une structure apparemment logique et fonctionnelle une touche d'irrationnel.

Il est surprenant de constater quelle petite partie de la surface totale d'un édifice roman était consacrée à la décoration sculpturale, qu'il s'agisse de reliefs ou de statues. La subordination objective de l'ornement est mise en évidence par le fait que l'architecte l'a presque toujours réservé aux points clés de la structure. À l'extérieur, la sculpture se limitait à trois éléments bien espacés : les corniches, les moulures en arc et les tympans surmontant les portes. Une corniche longe le haut d'un mur sous la chute du toit qu'elle accentue avec sa ligne ferme. Les encorbellements qui soutiennent le rebord à intervalles ajoutent un effet de scintillement. Dans l'est de la France, ils sont généralement unis, mais, depuis l'Espagne jusqu'au Berry, ils sont décorés de languettes et de rinceaux, suggérant l'influence arabe. Dans l'ouest de la France, on les trouve à côté des encorbellements figurés, système qui s'étend peu à peu aux bords de la Loire. Ces petites surfaces n'offraient pas beaucoup de possibilités aux sculpteurs représentant des hommes ou des animaux. Dans certaines églises de Saintonge et de Haute-Auvergne, cependant, l'ingéniosité des artistes, pour qui aucun détail n'avait une importance mineure pourvu qu'il jouât sa part dans l'ensemble de la composition, dotait ces petits traits de tout l'éventail de leur imagination fougueuse. Les moulures en arc ont une double fonction. Ils encadrent les fenêtres et les portes avec leurs courbes et servent ainsi à souligner leurs rôles structurels. Ils contribuent également à alléger les parois dans lesquelles ces ouvertures apparaissent par une série de retraits et de projections. Par ce moyen, il était possible d'éviter un effet laid de la pierre grossièrement marquée. Habituellement, les sculpteurs romans réservaient leur savoir-faire aux archivoltes de portes dont les proportions importantes se prêtaient mal à être laissées nues, et limitaient la décoration des petites baies à des clefs de voûte discrètement moulurées. En Occident, cependant, et surtout en Saintonge, ils amoncellent tous les décors, couvrant leurs surfaces de rinceaux et de palmettes ou de petits personnages correspondant aux axes rayonnants.

Ces grands portails sculptés procèdent de l'incontestable renaissance de l'art du sculpteur qui, peu avant le XIIe siècle, complète les grandes expériences architecturales du XIe et marque en même temps le résultat de toutes les recherches continues depuis 1000. Leur apparition simultanée en Languedoc et la Bourgogne est la preuve de l'ampleur du développement. Les compositions légères et sobres de la porte de Miegeville à St Sernin, à Toulouse, et du portail ouest de la grande église de Cluny laissent place aux visions apocalyptiques endiablées et aux Jugements Derniers du XIIe siècle. Progressivement, la sculpture atteint un contour plus frais, plus riche et plus mobile.

Des tentatives ont été faites pour établir un lien entre ces grands portails sculptés et le mouvement des pèlerins vers Santiago. Il est vrai que deux des exemples les plus célèbres de Vézelay et de St Gilles-du-Gard appartiennent à des sanctuaires répertoriés dans le "Guide du Pèlerin" comme des stations importantes sur la route. Néanmoins, leur absence quasi totale en Velay et en Auvergne, malgré le fait que ces régions aient été parcourues par beaucoup de ces routes et sanctifiées par la présence de nombreuses saintes reliques, fragilise beaucoup cette théorie. D'ailleurs, le Poitou et la Saintonge, bien que traversés par les routes de l'ouest, n'offrent aucun exemple de ce type. Mieux vaut prendre note de l'implantation géographique de ces sculptures qui ont dû être difficiles à assembler. Cela coïncide invariablement avec des affleurements de calcaire, un matériau résistant, facile à tailler et à découper en grandes plaques, ce que l'on peut difficilement dire du granit utilisé pour les églises du Massif Central.

Cette dernière région a trouvé en quelque sorte une compensation dans les chapiteaux surmontant les piliers, qui font office de rupture avant le véritable ressort de l'arc. C'était un principe hérité par les architectes romans de l'antiquité classique. Ils excluent les formes doriques et ioniques comme ayant trop peu de points communs avec leurs ambitions décoratives mais s'empressent de saisir la riche variété corinthienne en la réinterprétant avec la liberté de choix propre à leur inventivité. A l'été 1964, un magnifique chapiteau est récupéré sur le site de l'église abbatiale de Cluny : il provient probablement du narthex construit après l'achèvement de l'église actuelle vers 1115-1120. Avec sa corbeille allongée se développant soudainement en une volute puissante, elle offre une stylisation du motif corinthien avec une autorité concentrée qui pourrait bien rester inégalée. Les premiers travaux d'orfèvrerie et les enluminures préromanes, notamment irlandaises, ont considérablement élargi le répertoire avec des combinaisons d'ornements en spirale et d'entrelacs ainsi qu'avec des décors zoomorphes de monstres, dos à dos ou face à face, d'origine asiatique. Les artistes romans exploitent pleinement la fonction architecturale des chapiteaux et, en même temps, recréent complètement les détails de leur forme sculptée. Leur invention principale fut de leur assigner un rôle presque liturgique en les faisant illustrer les histoires merveilleuses sur lesquelles se fonde la foi chrétienne. D'innombrables exemples éparpillés dans toute la sphère d'influence romane sont des illustrations émouvantes de leur capacité à résoudre avec succès ce double problème. (Voir aussi : Art paléochrétien (c.150-1100) et Art monastique irlandais à partir de c.600.)

Deux types de capitaux coexistent. Chacun couronnant une colonne isolée est une entité complète. Ils ont la forme soit de cônes tronqués, soit de cubes dont la partie inférieure est arrondie. Lorsque la colonne est réduite à un demi-cylindre et forme une réplique, le chapiteau est simplement coupé en deux verticalement et son profil reste inchangé.

Ces surfaces se prêtaient à la sculpture de feuilles, mais n'étaient pas aussi satisfaisantes que des étendues plates pour la représentation de formes humaines. La sculpture végétale sur pierre ne semble jamais s'être éteinte, mais la représentation des formes humaines n'a été tentée que lorsque les sculpteurs romans se lancent hardiment à l'assaut. Leurs premiers efforts, datant d'environ 1000, sont hésitants et informes mais aussi surprenants en raison de leur promesse implicite. Les règles que ces pionniers anonymes s'efforçaient de formuler étaient celles qui devaient sans cesse retenir l'attention des sculpteurs ultérieurs. Une fois de plus le processus de création est clairement révélé à St Benigne à Dijon. Presque tous les chapiteaux de la rotonde n'étaient pas décorés, à l'exception de ceux encadrant l'entrée ouest qui étaient ornés d'étranges compositions en relief mouvementées, dont l'une a été identifiée par André Parrot comme les symboles des quatre évangélistes. Il est difficile de se rendre compte que ces compositions, exemples d'une technique déjà accomplie, sont contemporaines des tâtonnements enfantins exprimés dans certains chapiteaux déambulatoires. En tenant compte de la forme du chapiteau, un artisan imaginatif (mal servi par une exécution imparfaite) a tenté de représenter une figure en prière. La tête grossièrement travaillée a un front bas vaguement imité de l'art roman avec une longue barbe divisée en deux pointes par une raie médiane emboîtée entre deux bras maladroitement levés. Une torsion peu convaincante du corps fait que les paumes ouvertes s'étalent jusqu'aux angles du chapiteau qui, ailleurs, sont ornés d'une abondance de feuillages allongés. A côté, le sculpteur, soit par plaisanterie, soit par suite d'une interruption, a laissé le contour esquissé de son œuvre inscrit à la surface de la pierre - le sillon de la barbe et le geste des bras levés.

Ces aperçus des chapiteaux de Dijon sont extrêmement précieux car ils résument bien le principe de base de la sculpture romane : sa soumission absolue à la forme et au plan des supports, aussi exigeants soient-ils. Cela explique les déformations anatomiques, les allongements excessifs et les raccourcissements parfois combinés, qui ont tant intrigué les historiens de l'art du XIXe siècle. Les sculpteurs romans n'ont guère songé à imiter la nature que dans des détails secondaires. Partant d'une idée instinctive, ils expérimentent des lignes sur la pierre, y imposent une forme, comme on cherche un profil ou une silhouette dans un nuage qui se dissout. Ils ont été particulièrement influencés par les images trouvées dans les manuscrits enluminés irlandais, dans lesquels des corps humains étaient tordus et pliés dans des attitudes extraordinaires. Par des raccourcis audacieux, des arabesques, des déformations et des essaims déroutants de formes humaines, les sculpteurs libèrent l'architecture romane de sa logique implacable, la dotant comme par magie d'un sens de l'équilibre. Plus cet art approchait de la maturité technique, plus il semblait atteindre une virtuosité indispensable à ses besoins. Les volutes et spirales d'œuvres tardives accomplies comme le mur de Charlieu avec ses sculptures agitées montrant déjà des signes de déclin partagent la spontanéité bouleversante des plus grandes fresques.

La décoration reflète l'incertitude laïque et la certitude religieuse

De ce tourbillon de formes est née une idée unique et un sens de l'orientation qui ont envahi le monde. Cette évolution a finalement résolu la tension dramatique entre les âmes attirées par l'ordre et la tranquillité et pourtant placées dans un monde cruel et inexplicable. Les architectes romans ont peuplé la terre d'églises et de chapelles symbolisant l'éternité. Pourtant, leur sentiment d'angoisse et leur conscience du péché ont investi ces bâtiments de monstres étranges et malheureux représentant un appel mélancolique et sincère à la rédemption. Ce bestiaire de monstres, qui s'empare tant de l'imaginaire roman, représente bien plus qu'un réservoir de formes et de thèmes décoratifs. C'était une sorte de classification d'un monde hanté, effrayant et de ses ressources, du mal. Tout y était lié dans une danse infernale : animaux de cauchemar, griffons, monstres d'Orient, sciapodes, bêtes à tête de chien et nains aux oreilles énormes. Ils formaient une étrange image d'abandon intellectuel et de pure terreur.

Architecture romane en Angleterre

En Angleterre, les Normands ont apporté de France la connaissance de la conception et de l'artisanat romans matures. Les premières cathédrales anglaises ont été construites dans ce style, et il y avait de nombreux châteaux normands. On dit que pas moins de sept mille églises ont été construites en Angleterre au cours du siècle suivant la conquête normande de 1066. Il y avait eu une architecture indigène anglo-saxonne, qui était de type lourd et robuste, et cela a contribué quelques caractéristiques mineures à la nouvelle expression.

Le roman anglais est généralement connu sous le nom d'architecture normande. La cathédrale de Durham est le plus grand monument dans lequel le caractère roman d'origine a persisté à travers des accidents ultérieurs et des "améliorations". crypte de Worcester, et dans certaines parties de Peterborough. En général, les cathédrales anglaises avaient des transepts plus longs que ceux des bâtiments typiques de France et une tour principale a été ajoutée au-dessus de la croisée.

Architecture romane en Allemagne

Dans les églises romanes allemandes, il y a plus de l'ancienne basilique, et des caractéristiques carlovingiennes survivantes telles qu'adaptées de l'art byzantin par les architectes qui ont construit pour Charlemagne à Aix-la-Chapelle (Aix-la-Chapelle) et il y a une affinité particulière avec les formes lombardes avec que le roman a commencé techniquement. Mais là encore la diversité est une première caractéristique des églises regroupées sous le nom de style. Le bois abondant de l'Allemagne a souvent conduit les architectes à couvrir les nefs avec ce matériau, et il n'y a donc pas eu de transition rapide vers l'église marquée par les idiomes développés à partir de l'utilisation de la voûte d'arêtes. Il n'y avait pas non plus d'afflux d'ecclésiastiques et d'ouvriers normands comme en Angleterre. Néanmoins, les cathédrales de Worms, Mayence et Spire, et l'église des Apôtres à Cologne, font partie des édifices voûtés typiques avec une construction cohérente en arc en plein cintre. Certains éléments mineurs distinguent le roman germanique d'autres variétés - notamment des plans avec absides aux deux extrémités de l'église et, à l'extérieur, une profusion de galeries à arcades et de tourelles rondes ou octogonales. En Allemagne, plus qu'ailleurs, l'architecture romane a été faite en quelque chose de cohérent, distinct du byzantin d'une part et du gothique de l'autre. Mais en tant que style élaboré, comme on le voit dans les plus grands monuments, il est quelque peu terne, avec des vertus qui se situent dans le domaine périlleux du pittoresque. Certains des meilleurs d'Allemagne se trouvent à juste titre dans des châteaux "à moitié en ruine" " romantiques ". Et en effet, dans toute l'Europe, la construction romane aux murs épais, aux tourelles et presque sans fenêtres a été utilisée pour les châteaux, les forts et les murs de la ville. (Voir aussi : Art médiéval allemand.)

Édifices romans célèbres

Remarque : Sauf indication contraire, toutes les dates se réfèrent à l'achèvement.

- Chapelle Palatine, Aix-la-Chapelle (800) Allemagne
- Eglise St Vitus, Corvey (885) Allemagne
- Eglise de Cluny I (927) Bourgogne
- Abbaye du Mont St Michel, Normandie (966) France
- Cathédrale St Pantaleon, Cologne (980) Allemagne
- Eglise de Cluny II (981) Bourgogne
- Cathédrale St Cyriakus, Gernrode (983) Allemagne
- Église de S Baudelio, Berlanga (fin Xe siècle) Espagne
- Église du monastère de S. Pedro de Roda (1022) Catalogne
- Église abbatiale Saint-Michel, Hildesheim (1033) Allemagne
- Eglise St Rémi, Reims (1049) France
- Abbatiale St Etienne, Caen (commencée en 1059) France
- Abbatiale de la Trinité, Caen (commencée en 1060) France
- S Miniato al Monte, Florence (1062) Italie
- Eglise de pèlerinage St Etienne, Nevers (commencée en 1063) France
- S Martin, Fromista, Navarre (début 1066) Espagne
- Eglise abbatiale Notre-Dame, Jumièges (1067) France
- White Tower, Londres (après 1078) Angleterre
- Cathédrale d'Ely (1080) Angleterre
- S Ambrogio, Milan (début 1080) Italie
- Cathédrale de Pise (après 1083) Italie
- Abbaye de la Grande Chartreuse, Grenoble (1084) France
- Château de Richmond, Yorkshire (1086) Angleterre
- Notre-Dame, Paray-le-Monial (1090) France
- Abbaye Maria Laach, Rhénanie (après 1093) Allemagne
- Cathédrale de Durham (après 1093) Angleterre
- Cathédrale de Lund (1103) Suède
- S Nicola, Bari (1105) Italie
- Cathédrale de Spire (1106) Allemagne
- Cathédrale de Modène (1110) Italie
- Paray-Le-Monial (1110) France
- Église abbatiale Saint-Philibert, Tournus (1120) France
- Abbatiale Sainte-Foy (1120) France
- Eglise de pèlerinage Saint-Sernin, Toulouse (1120) France
- Baptistère de St Giovanni, Florence (1128) Italie
- Eglise de Cluny III (1130) France
- Cathédrale de Mayence (1137) Allemagne
- Krak des Chevaliers, Homs (après 1142) Syrie
- Notre-Dame-la-Grande, Poitiers (1145) France
- St Lazare, Autun (1146) France
- Église abbatiale de Fontenay (1147) France
- Église Ostelars, île de Bornholm (1150) Danemark
- Église de Borgund, Sogne Fijord (1150) Norvège
- Église abbatiale de St-Benoit-sur-Loire (1073) France
- Cathédrale de Zamora (1174) Espagne
- Château de Douvres (commencé en 1180) Angleterre
- Cathédrale de Monreale (1182) Sicile
- Vor Frue Kirke, Kalundborg (église forteresse) (1190) Danemark
- Baptistère, Parme (après 1198) Italie
- Cathédrale de Worms (1200) Allemagne
- Cathédrale de Saint Jacques de Compostelle (1211) Espagne
- Eglise de la Madeleine, Vézelay (1215) France
- Église des Saints Apôtres, Cologne (1215) Allemagne
- Vieille Cathédrale, Torre del Gallo, Salamanque (1220) Espagne
- Église cistercienne, Heisterback (1237) Allemagne
- S Maria la Mayor, Toro (1240) Espagne
- Heddal Stave Church, Telemark (1250) Norvège
- Cité forteresse de Carcassonne (12ème-13ème siècle) France. (Remarque : Au début des années 1850, les fortifications de Carcassonne ont été restaurées par Viollet-le-Duc, la principale autorité en matière de restaurations médiévales.)

Pour une comparaison fascinante entre l'Est et l'Ouest, voir l'extraordinaire temple khmer d'Angkor Wat du XIIe siècle (1115-45) et le temple Kandariya Mahadeva du XIe siècle (1017-29).

Renaissance romane (XIXe siècle)

À la suite des mouvements néo-grec et gothique du début du XIXe siècle dans l'architecture américaine (et aussi en Europe), un certain nombre d'architectes américains ont lancé une tendance néo-roman. Le premier d'entre eux fut James Renwick (1818-1895), dont la conception pour le Smithsonian Institute ("le château") à Washington DC (1847-1855) en fit le premier bâtiment public américain de ce style. Un autre architecte influencé par le roman était Richard Upjohn (1802-78). Le plus grand représentant, cependant, de l'architecture néo-romane du XIXe siècle était Henry Hobson Richardson (1838-86) qui était responsable de chefs-d'œuvre comme Trinity Church, Boston (1872-77) et Marshall Field Wholesale Store (1885-87) Chicago.

REMERCIEMENTS
Nous remercions chaleureusement l'utilisation du matériel de "Romanesque - Architecture of the World", publié par Benedikt Taschen (1990).


Art et architecture byzantine : concepts, styles et tendances

Innovations architecturales

Connue pour ses bâtiments à plan central avec des toits en dôme, l'architecture byzantine a utilisé un certain nombre d'innovations, dont le squinch et le pendentif. Le squinch utilisait un arc aux coins pour transformer une base carrée en une forme octogonale, tandis que le pendentif utilisait un support triangulaire d'angle qui se courbait dans le dôme. La conception architecturale originale de nombreuses églises byzantines était une croix grecque, ayant quatre bras de longueur égale, placés dans un carré. Plus tard, des structures périphériques, comme une chapelle latérale ou un deuxième narthex, ont été ajoutées à l'empreinte plus traditionnelle de l'église. Au 11 e siècle, la conception du bâtiment en quinconce, qui utilisait les quatre coins et un cinquième élément surélevé au-dessus, est devenue importante comme on le voit dans Les Saints Apôtres à Thessalonique, Athènes, Grèce. En plus du dôme central, les églises byzantines ont commencé à ajouter des dômes plus petits autour.

Poikilia

L'architecture byzantine a été influencée par Poikilia, un terme grec, signifiant "marqué de différentes couleurs" ou "panaché", qui dans la philosophie esthétique grecque a été développé pour suggérer comment un assemblage complexe et varié d'éléments a créé une expérience polysensorielle. Les intérieurs byzantins et le placement d'objets et d'éléments à l'intérieur d'un intérieur ont été conçus pour créer un intérieur toujours changeant et animé alors que la lumière révélait les variations de surfaces et de couleurs. Des éléments panachés ont également été obtenus par d'autres techniques telles que l'emploi de bandes ou de zones d'or et de surfaces de pierre finement sculptées.

Par exemple, les chapiteaux des paniers de Sainte-Sophie étaient si finement sculptés que la pierre semblait se dématérialiser dans la lumière et l'ombre. Des bandes décoratives ont remplacé les moulures et les corniches, arrondissant en fait les angles intérieurs de sorte que les images semblaient couler d'une surface à l'autre. Photios a décrit cet effet de surface dans l'une de ses homélies : « C'est comme si l'on était entré dans le ciel même sans que personne ne lui barre le chemin d'aucun côté, et qu'on était illuminé par la beauté aux formes changeantes. est un être complètement étonné. [. ] Il semble que tout est en mouvement extatique, et l'église elle-même tourne autour."

Types iconographiques et iconostase

L'art byzantin a développé des types iconographiques qui ont été utilisés dans les icônes, les mosaïques et les fresques et ont influencé les représentations occidentales de sujets sacrés. Le premier Pantocrator, signifiant "tout-puissant", dépeint le Christ en majesté, sa main droite levée dans un geste d'instruction et conduit au développement de la Deësis, signifiant "prière", montrant le Christ comme Pantocrator avec saint Jean-Baptiste et la Vierge Marie, et, parfois, des saints supplémentaires, de chaque côté de lui. Les Hodegetria se sont développées pour devenir les types iconographiques ultérieurs de l'Eleusa, signifiant tendresse, qui montrait la Vierge et l'Enfant Jésus dans un moment de tendresse affectueuse, et la Pelagonitissa, ou l'icône de l'enfant qui joue. D'autres types iconographiques comprenaient l'Homme de douleur, qui se concentrait sur la représentation de la souffrance du Christ, et l'Anastasis, qui montrait le Christ sauvant Adam et Ève de l'enfer. Ces types sont devenus très influents et ont également été employés dans l'art occidental, bien que certains, comme l'Anastasis, ne soient représentés que dans la tradition orthodoxe byzantine.

L'iconostase, qui signifie "support d'autel", était un terme utilisé pour désigner un mur composé d'icônes qui séparait les fidèles de l'autel. Dans la période byzantine moyenne, l'iconostase a évolué à partir du début de la période byzantine templon, un paravent en métal qui était parfois accroché avec des icônes, à un mur en bois composé de panneaux d'icônes. Contenant trois portes à vocation hiérarchique, réservées aux diacres ou aux notables de l'église, le mur s'étendait du sol au plafond, tout en laissant un espace au sommet pour que les fidèles puissent entendre la liturgie autour de l'autel. Certaines des iconostases les plus remarquables ont été développées à la fin de la période byzantine dans les pays slaves, comme le montre Théophane le Grec. Iconostase (1405) dans la cathédrale de l'Annonciation à Moscou. Un système codifié régissait le placement des icônes disposées selon leur importance religieuse.

École de peinture d'icônes de Novgorod

L'école de peinture d'icônes de Novgorod, fondée par l'artiste byzantin Théophane le Grec, est devenue la principale école de l'ère byzantine tardive, son influence durant au-delà de la chute de l'Empire byzantin en 1453. Le travail de Théophane était connu pour sa vigueur dynamique due à son coup de pinceau et à son inclusion de scènes plus dramatiques dans les icônes, qui n'étaient généralement représentées que dans des œuvres à grande échelle. On pense qu'il a enseigné à Andrei Rublev qui est devenu le peintre d'icônes le plus renommé de l'époque, célèbre pour sa capacité à transmettre des pensées et des sentiments religieux complexes dans des scènes subtilement colorées et émotionnellement évocatrices. Dans la génération suivante, le principal peintre d'icônes Dionysius a expérimenté l'équilibre entre les lignes horizontales et verticales pour créer un effet plus dramatique. Influencé par les artistes italiens du début de la Renaissance arrivés à Moscou, son style, connu pour ses couleurs pures et ses figures allongées, est parfois appelé « maniérisme moscovite », comme le montre sa série d'icônes pour la cathédrale de la Dormition (1481) à Moscou. .

Ivoire Sculpté

À l'époque byzantine, la tradition sculpturale de Rome et de la Grèce a été essentiellement abandonnée, car l'église byzantine estimait que la sculpture en rond évoquerait des idoles païennes. Cependant, les artistes byzantins ont été les pionniers de la sculpture en relief en ivoire, généralement présentée dans de petits objets portables et objets communs. Un premier exemple est le Trône de Maximianan (aussi appelé, le Trône de Maximien), réalisé à Constantinople pour l'archevêque Maximien de Ravenne pour la dédicace de San Vitale. L'œuvre représentait des histoires et des personnages bibliques, entourés de panneaux décoratifs, sculptés à différentes profondeurs de sorte que le traitement presque tridimensionnel de certains panneaux contrastait avec le traitement bidimensionnel plus superficiel d'autres.

À l'époque byzantine moyenne, la sculpture sur ivoire était connue pour ses détails élégants et délicats, comme le montre le triptyque d'Harbaville (milieu du XIe siècle). Reflétant l'intérêt renouvelé de la Renaissance macédonienne pour l'art classique, les artistes ont représenté des figures avec des draperies et des pose de contrapposto. Les sculptures byzantines sur ivoire étaient très appréciées en Occident et, par conséquent, les œuvres exerçaient une influence artistique. L'artiste italien Cimabue Madone intronisée (1280-1290), une œuvre préfigurant l'utilisation de la profondeur et de l'espace par la Renaissance italienne, est principalement influencée par les conventions byzantines.


Une brève histoire de la peinture de maison

par Frank Campanelli – [email protected]
Aujourd'hui, nous tenons tous pour acquis le choix des couleurs et des marques de peinture pour la maison. Vous pouvez visiter votre magasin de peinture local et parcourir d'innombrables nuances et teintes de pratiquement toutes les couleurs de l'arc-en-ciel. Il suffit d'apporter une nuance de tissu ou n'importe quel échantillon coloré et il peut être numérisé pour produire une correspondance étonnamment proche de la couleur en quelques minutes. Les choses n'étaient pas toujours pleines de choix en matière de peinture de maison, de peinture intérieure ou de peinture extérieure. Faisons un voyage dans l'histoire et voyons exactement jusqu'où la peinture des espaces de vie peut être retracée.

On peut juste imaginer l'homme des cavernes agonisant sur le choix entre “fire suie” grey et “bison blood” burgundy pour son décor de grotte. Les preuves montrent que l'humanité a décoré son espace de vie il y a 40 000 ans à l'aide de ce que l'on pourrait appeler de la peinture. Le matériau serait également fabriqué à partir d'ingrédients entièrement naturels ! La peinture préhistorique était fabriquée à partir de terre colorée, de suie et de matières organiques mélangées à du sang animal et à des huiles grasses. Récemment, des archéologues ont découvert un site en Afrique du Sud qui indiquait que des hommes (ou des femmes) utilisaient un revêtement à base de sol argileux brun jaunâtre qui aurait pu être utilisé comme de la peinture.

Avance rapide jusqu'en Égypte il y a seulement environ 2 000 ans. Les murs aux couleurs vives de Dendérah ont résisté à l'épreuve du temps et sont toujours aussi éclatants aujourd'hui que lorsqu'ils ont été peints ! Nous ne connaissons aucune peinture moderne offrant ce type de garantie. Les Égyptiens ont créé six couleurs en mélangeant de l'huile ou de la graisse avec du plomb, de la terre, du sang animal, du verre dépoli ou des pierres semi-précieuses. Leur palais comprenait du blanc, du rouge, du jaune, du vert, du noir et du bleu. Des peintures complexes et élaborées qui illustraient leur culture et leur histoire ont été peintes avec des meubles et des espaces de vie des pharaons et des classes dirigeantes. Certaines des meilleures peintures étaient réservées aux tombes égyptiennes, car leur croyance en l'au-delà l'exigeait.

D'une manière générale, les artisans et les artisans étaient ceux qui ont été chargés de faire la peinture à travers l'histoire. La profession de peintre en bâtiment était évidente dès les années 1200 et beaucoup soupçonnent que les peintres en tant que métier peuvent même remonter plus loin dans le temps. Mais puisque Gutenberg n'a pas inventé l'imprimerie avant 1440, il n'y a pas beaucoup d'histoire écrite que les scribes ont enregistrée au premier siècle concernant les peintres en bâtiment qui ont pu exister.

Au quatorzième siècle, les peintres en bâtiment d'Angleterre s'organisèrent en guildes. C'est ce qui a vraiment établi la peinture en bâtiment comme une profession respectée qui respectait certaines normes de pratique. Ils se sont organisés en deux groupes, la “Painter’s Company” et la Stainer’s Company”. Plusieurs centaines d'années plus tard, les deux ont fusionné pour former ce qui s'appelait la « Worshipful Company of Painters and Stainers » . Leurs compétences en matière de mélange de peinture et d'application étaient en fait considérées comme des secrets bien gardés pour les étrangers afin de protéger leur façon de gagner leur vie.

La peinture de maison est devenue quelque chose à éviter si vous faisiez partie des premières colonies américaines. Les pèlerins considéraient que peindre votre maison était une démonstration d'impudeur, de richesse et de vanité. La pratique était considérée comme immorale par beaucoup et en 1630, un prédicateur qui décorait l'intérieur de sa maison de Charlestown avec de la peinture a été accusé de sacrilège.

La demande de peinture d'intérieur continua malgré les objections puritaines. L'huile et l'eau sont devenues la base qui serait mélangée à une grande variété de matériaux, notamment du plomb, des coquilles broyées, de l'oxyde de fer ou de cuivre, du café, du riz, des œufs, des fruits, des baies et d'autres végétaux pour créer de nombreux types et couleurs de peinture. Les producteurs de peinture ont concocté leur produit malgré le fait qu'il était illégal. De nombreuses maisons étaient richement décorées avec des peintures murales réalistes représentant des éléments du ciel, de la pierre et du paysage peints sur les murs, les lambris, les corniches et les plafonds. Les outils de peinture utilisés à cette époque sont très similaires aux pinceaux d'aujourd'hui utilisant des manches en bois avec divers types de cheveux attachés. Les pinceaux modernes utilisent des fibres synthétiques mais l'objectif était le même, appliquer la peinture sur la surface avec l'épaisseur et le trait appropriés afin de faciliter le processus et d'obtenir le meilleur résultat final. La plupart des peintures étaient assez épaisses et ne ressemblaient pas du tout à la peinture facile à appliquer à laquelle nous sommes habitués.

En 1718, Marshall Smith a inventé une « Machine pour le broyage des couleurs » qui a déclenché une course à l'innovation pour créer les meilleurs moyens de broyer efficacement les matériaux pigmentaires et de commencer à fabriquer de la peinture dans un moulin à peinture. Au milieu des années 1800, l'huile de lin a commencé à être utilisée comme liant moins coûteux qui protégeait réellement le bois peint.

En 1866, la première entreprise à produire de la peinture prête à l'emploi est créée, Sherwin-Williams. Harry Sherwin, Alanson Osborn et Edward Williams ont formé Sherwin, Williams, & Co. à Cleveland, Ohio. Henry Sherwin a ensuite développé une boîte de conserve que les consommateurs pouvaient refermer. En 1883, une compétition qui se poursuit aujourd'hui a commencé lorsque Benjamin Moore a commencé ses opérations. La société a mis l'accent sur la chimie pour améliorer le mélange des couleurs et la production tout au long du vingtième siècle et a été la première à concevoir le système informatique de correspondance des couleurs auquel nous sommes tous habitués en 1982.

Alors profitez des choix que vous avez aujourd'hui et tirez le meilleur parti de votre maison avec des peintures qui peuvent ajouter de la vie à la peinture de votre maison extérieure et améliorer l'ambiance de la peinture de votre maison intérieure. Le ciel est la limite aujourd'hui lorsqu'il s'agit d'imaginer les possibilités qui s'offrent à vous et de créer exactement le look que vous désirez.


Recherche de bâtiments historiques dans les îles britanniques

A l'époque médiévale tavernes étaient des habitations ordinaires où le maître de maison servait de la bière et de la bière maison. Si l'hébergement des voyageurs était proposé, ce ne serait peut-être rien de plus que de la literie par terre dans la cuisine ou dans une grange. Auberges en revanche, étaient généralement construits spécialement pour accueillir les voyageurs. Ils avaient besoin de plus de chambres que la maison moyenne et d'une écurie substantielle. Certaines des premières grandes auberges ont été construites par des monastères dans des centres de pèlerinage. Tavernes vin vendu. Comme le vin était beaucoup plus cher que la bière ou la bière, les tavernes s'adressaient aux clients les plus riches qui pouvaient se le permettre. Ils étaient limités aux villes et largement dépassés en nombre par les tavernes. Tous les trois étaient des centres sociaux, mais les plus grandes auberges avaient plus de place pour les événements. Le type construit avec des galeries autour d'une cour offrait une arène pour des jeux ou des combats de coqs.

À l'instar d'autres commerçants de l'époque, les auberges, tavernes et tavernes faisaient de la publicité pour leur entreprise avec une pancarte accrochée à l'extérieur. Un poteau au-dessus de la porte, garni de feuillage, signifiait une taverne. Dès le XIVe siècle, auberges et tavernes pendaient un signe pictural permettant de les identifier à cette époque illettrée. Au XVIe siècle, de nombreuses tavernes emboîtèrent le pas. La tradition s'est poursuivie pour les locaux autorisés, car ils étaient exemptés des restrictions géorgiennes sur les panneaux suspendus. Les premiers signes utilisaient des motifs tirés de l'héraldique, mais à l'époque géorgienne, il y avait une plus grande variété.

Au milieu du XVIIIe siècle, les grandes tavernes devenaient courantes, tandis que les auberges situées à côté des principales autoroutes prenaient de la grandeur et de nouvelles surgissaient à l'époque des entraîneurs. Le terme taverne a été progressivement remplacé par maison publique durant le XVIIIe siècle. Pendant ce temps, les tavernes étaient remplacées ou transformées en cafés en tant que centres sociaux pour les classes les plus riches. Le terme Hôtel (de l'hôtel français) était rare en Grande-Bretagne avant 1800. Sa première utilisation retrouvée en Angleterre vient d'une publicité placée en 1770 par Pierre Berlon, le propriétaire français des salles de réunion construites à Exeter en 1769. Le bâtiment est devenu connu sous le nom de L'hôtel Royal Clarence, après que la duchesse de Clarence (plus tard la reine Adélaïde) y ait séjourné en juillet 1827. Malheureusement, il a été englouti par un incendie en octobre 2016 et les restes ont été démolis peu de temps après.

À partir des années 1810, nous trouvons des maisons publiques spécialement construites, en commençant par Londres et les grandes villes de province. Le nombre de pubs augmentait avec la population. La fin de l'ère victorienne a vu la création d'intérieurs de pub flamboyants, remarquables pour leurs miroirs somptueusement décorés, leurs murs carrelés et leurs verres gravés.

Avec l'arrivée des chemins de fer, de nombreux hôtels ont été construits à proximité des gares. Certains des plus grandioses se trouvaient à côté des grands terminus de Londres, tels que le Midland Grand Hotel (1874), la gare St Pancras, Euston Road, conçu par Sir George Gilbert Scott (1811-1878) dans le style néo-gothique. Les auberges de relais ont diminué, bien que certaines aient pu se transformer en maisons publiques ou en hôtels, qui ont prospéré à la fin du 20e siècle avec l'automobile. Une telle modernisation a eu lieu au cours du dernier demi-siècle que seuls quelque 200 intérieurs de pub en Grande-Bretagne survivent intacts de toute époque antérieure.

Tant de légendes romantiques se sont tissées autour des auberges et des pubs que le chercheur doit être particulièrement prudent. Les fantômes, les bandits de grand chemin, les liaisons royales et les tunnels sont tous des éléments populaires de la mythologie. Ne croyez rien qui ne puisse être étayé par des sources primaires.

Études et nomenclatures

  • Brandwood, G., Davison, A. et Slaughter, M., Licensed to Sell: The history and heritage of the public house (English Heritage 2004). Utilise l'enquête CAMRA sur les intérieurs de pubs historiques et comprend des photographies des meilleurs d'entre eux.
  • L'inventaire régional CAMRA pour Londres: Intérieurs de pub d'intérêt historique spécial (2004).
  • L'inventaire régional CAMRA pour East Anglia: Intérieurs de pub d'intérêt historique particulier (2005).
  • L'inventaire régional CAMRA pour le Nord-Est : Intérieurs de pub d'intérêt historique spécial (2006).
  • Clark, P., The English Alehouse: A social history, 1200-1830 (1983).
  • Cox, B., English Inn and Tavern Names (1994). Le premier ouvrage scientifique sur le sujet.
  • Denby, E., Grand Hotels: Reality and illusion an architecture and social history (2002). Une étude mondiale.
  • Elwall, R., Bricks and Beer (British Architectural Library 1983).
  • Girouard, M., Victorian Pubs (1975).
  • Gorham, M. et Dunnett, H. McG., Inside the Pub (1950) : le développement du plan de pub.
  • Haydon, P., The English Pub: A History (1994) réimprimé sous le titre Beer and Britannia (2001).
  • Meeks, Carol L. V., The Victorian Railroad Station: An architecture history (Yale UP 1956).
  • Molloy, C., The Story of the Irish Pub: Une histoire enivrante du commerce sous licence en Irlande (2002).
  • Pantin, W.A., 'Medieval Inns' dans E.M. Jope, Studies in Building History (1961) : le plan de la cour et le plan de la guérite.
  • Pevsner, N., A History of Building Types (1976), chap.11: Hotels.
  • Richardson, A.E. et Eberlain, H.D., The English Inn Past and Present: a review of his history and social life (1925).
  • Les véritables pubs du patrimoine d'Écosse : Intérieurs de pub d'intérêt historique spécial (CAMRA 2007).
  • Shelley, H.C., Inns and Taverns of Old London (1909). Non savant, mais utile pour les descriptions de bâtiments tels qu'ils se trouvaient alors et quelques images de bâtiments qui avaient été démolis auparavant.
  • Tozier, J, Parmi les auberges anglaises (1904). Description de la visite avec des photographies et un croquis.
  • Et consultez les répertoires géographiques généraux et les sources pour les villes. Les livres sur les pubs ou les auberges de villes spécifiques abondent. Particulièrement précieux sont ceux publiés avant la Seconde Guerre mondiale avec des croquis ou des photographies des bâtiments tels qu'ils existaient alors.

Sources primaires

  • Les archives de la brasserie sont une source précieuse. Green et al couvrent les archives de Courage, intégrant les brasseries reprises.
  • Le recensement revient. Voir 1881 Pubs : une base de données consultable des pubs anglais dans le recensement de 1881. . Les auberges de relais peuvent être répertoriées à la fois sous le nom de la rue et dans les listes d'autocars et de transporteurs partant des auberges. Par exemple, voir Inns and Taverns of Warwickshire pour des données extraites du Warwickshire Directory de F. White and Co. (1874).
  • Images : les auberges étaient des sujets assez populaires pour les artistes amateurs et professionnels des XVIIIe et XIXe siècles. Les photographies et les cartes postales des pubs du XXe siècle abondent. Voir les sources générales pour les images et le chercheur d'images pour les listes par pays et par comté. La série de livres de Charles G. Harper sur les grands axes routiers de Grande-Bretagne (principalement l'Angleterre), à ​​commencer par The Brighton Road (1892) était illustrée d'estampes et de dessins anciens (ainsi que de ses propres croquis), qui comprennent de nombreuses auberges.
  • Licences et engagements : la loi sur les tavernes de 1552 a ordonné que les taverniers soient autorisés par les juges de paix locaux : voir les registres des sessions trimestrielles dans les bureaux d'enregistrement des comtés jusqu'en 1888. Les obligations des fournisseurs de vivres, y compris les aubergistes, 1578-1672 sont aux Archives nationales E180. Quelques-uns donnent des noms d'auberges. Après 1753, les engagements des ravitailleurs autorisés étaient censés être inscrits dans des registres annuels, qui peuvent donner le signe de l'auberge. Voir J. Gibson et J. Hunter, Victuallers' Licences: Records for Family and Local Historians , 2e éd. (Fédération des historiens de la famille 1997). sont une bonne source pour les auberges, qui ont souvent annoncé leurs services. : en Angleterre et au Pays de Galles, la carte de la dîme paroissiale et le calendrier d'accompagnement de c. 1840 nommera et localisera les pubs et les auberges. La carte OS à grande échelle du XIXe siècle fait de même. Des plans antérieurs du domaine, de la paroisse ou de la ville peuvent être disponibles.
  • Stow, W., Survey of the Cities of London and Westminster (1722) comprend une liste des auberges londoniennes utilisées par les diligences et les transporteurs en 1721.
  • Enquête sur les auberges, tavernes et tavernes en Angleterre et au Pays de Galles en 1577 : Archives nationales SP 12/115-19. Londres, Bristol et Norwich sont exclus et certains autres retours sont inégaux. R. Flenley (éd.), A Calendar of the Register of the Queen's Majesty's Council in the Dominion and the Principauté de Galles . 1569-1591, Cymmrodorion Society Record Series 8 (1916) donne les chiffres pour 7 comtés gallois et pour le Worcestershire.
  • Enquêtes sur le nombre de chambres d'hôtes et d'écuries en Angleterre et au Pays de Galles en 1686 et 1756 : Archives nationales WO 30/48, 30/49.
  • Taylor, John, Cosmographie des transporteurs (1637). Nomme les auberges londoniennes utilisées par les transporteurs provinciaux.
  • Revues commerciales : pour les pubs victoriens, consultez les périodiques d'architecture du XIXe siècle, en particulier The Builder (1843 - les premiers volumes peuvent être lus en ligne, index des illustrations publiées) et la presse spécialisée : The Licensed Victuallers' Gazette The Licensing World The Licensed Victualler and Catering Trade Journal .
  • Carnets de voyage : bon pour les relais relais populaires : voir Gard et sources primaires.

Puisque les pubs/auberges/hôtels sont généralement aussi des habitations, voir aussi maisons. Et voir les dossiers commerciaux.


Ce qui s'est passé dans les années 1920

Avec la fin de la Première Guerre mondiale, un boom immobilier en Grande-Bretagne et aux États-Unis entraîne une augmentation de la propriété du logement.

La Société des Nations est fondée mais les États-Unis votent contre l'adhésion.

Le dix-neuvième amendement à la Constitution des États-Unis est ratifié le 18 août, donnant aux femmes le droit de vote.

La guerre civile russe se termine mais le pays se débat alors qu'une famine commence en 1920 et s'aggrave l'année suivante.

Les Jeux olympiques d'été ont lieu à Anvers, en Belgique, et mettent l'accent sur la réconciliation après la Première Guerre mondiale.

Le 18e amendement ( Volstead Act / National Prohibition Act ) entre en vigueur au début de la décennie , ce qui entraîne à son tour une augmentation de l' alcool au marché noir qui est vendu dans les bars clandestins et géré par des mafieux qui paient les politiciens locaux .

Les raids Palmer ont conduit à l'arrestation et à l'expulsion de 6 000 étrangers suspectés d'être des radicaux de gauche.

La révolution irlandaise a conduit à la loi sur le gouvernement d'Irlande de 1920 prévoyant la partition de l'Irlande en Irlande du Nord et en Irlande du Sud avec des parlements séparés conduisant à la création de l'État libre d'Irlande.

La Russie et la Pologne établissent une frontière permanente lorsqu'elles signent le traité de Riga.

Le célèbre et emblématique parfum "Chanel n°5" est créé par Coco Chanel.

La loi sur les quotas d'urgence est adoptée pour restreindre l'immigration en provenance d'Europe du Sud et de l'Est.

Le Parti communiste chinois est créé.

Chapeau de Déguisement 1923
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Parfaitement magnifique et notre meilleur chapeau de fantaisie à large bord. Cadre filaire fait à la main recouvert d'une belle dentelle métallique dorée ou argentée, recouverte d'une seule couche de soie maline qui s'étend doucement sur le bord. Élégante couronne à six pièces en velours de soie fine. Couronne de haute qualité des gloires du matin en peluche de soie de fibre de couleur mélangée.

Brosse à moteur et aspirateur

Ce nettoyeur utilise non seulement une aspiration pour soulever la saleté et la poussière, il comprend également une brosse motorisée pour aider à éliminer la poussière et la saleté du tapis avant que l'aspiration ne soulève la saleté dans le sac.

L'Union des Républiques socialistes soviétiques (URSS) est créée en 1922.

L'Egypte déclare son indépendance.

La British Broadcasting Company (BBC) est constituée et financée par une redevance postale de 10 shillings, payable par toute personne possédant un récepteur radio.

La loi Fordney-McCumber impose un tarif élevé sur les importations aux États-Unis.

Gandhi a prêché pour la désobéissance civile de masse, la non-violence et la résistance pacifique contre la domination britannique en Inde et les autorités britanniques l'ont condamné à six ans d'emprisonnement.

Cinquante mille personnes touchées lors des inondations de la Basse-Louisiane en 1922.

Le tombeau du roi Toutankhamon est inauguré par Howard Carter.

L'insuline est produite en série pour le traitement du diabète.

Le grand tremblement de terre de Kanto dévaste Tokyo et Yokohama en 1923, faisant plus de 100 000 morts.

Lady Elizabeth Rowes-Lyon et le prince Albert, duc d'York, se sont mariés à l'abbaye de Westminster. Le prince Albert deviendra plus tard le roi George VI d'Angleterre.

Premier match à domicile joué à l'Original Yankee Stadium entre les Yankees de New York et les Red Sox de Boston

Adolf Hitler dirige le parti nazi dans une tentative de coup d'État ratée ( Beer Hall Putsch ) en Allemagne.

Le premier vol réussi d'un autogire, le prédécesseur d'un hélicoptère, a lieu.

Le premier défilé de Thanksgiving de Macy a lieu le 27 novembre 1924.

Ellis Island ferme ses portes en tant que point d'entrée de l'immigration aux États-Unis.

Les tout premiers Jeux olympiques d'hiver ont lieu. Ils se déroulent à Chamonix, en France.

L'Indian Citizenship Act confère la citoyenneté à tous les Amérindiens nés aux États-Unis.

Le premier vol autour du monde est réalisé au bout de 175 jours par deux places de l'armée américaine.

États-Unis --- Wrigley Building terminé

J. Edgar Hoover nommé à la tête du Bureau of Investigation

Le Butler Act qui interdit l'enseignement de l'évolution dans les écoles publiques est adopté dans le Tennessee en 1925, il n'est abrogé qu'en 1967.

Le roman classique "The Great Gatsby" est publié par l'auteur américain F. Scott Fitzgerald.

Sears Robuck ouvre son premier magasin de détail à Chicago, dans l'Illinois, en 1925. Sears vendait via des catalogues de magasinage à domicile depuis 1893 et ​​continuerait à vendre via des catalogues pendant les 70 prochaines années tout en construisant l'une des plus grandes chaînes de magasins du pays.

Le premier émetteur de télévision est développé par John Logie Baird en Grande-Bretagne.

Le First Motel (Motorists Hotel) ouvre ses portes à San Luis Obispo, en Californie.

Le Scopes Monkey Trial touche à sa fin.

Le premier numéro du magazine New Yorker est publié

Le Grand Ole Opry commence à émettre.

La grève générale a lieu en Angleterre en 1926.

La Route 66, une route américaine majeure reliant Chicago à Los Angeles, est ouverte.

Des navires de guerre britanniques se battent pour le contrôle de la Chine au large du fleuve Yangtze.

Le célèbre magicien et artiste de l'évasion Harry Houdini décède d'un appendice éclaté à l'âge de 52 ans.

La Ford Motor Company annonce la création d'une semaine de travail de 40 heures pour les ouvriers d'usine.

John Logie Baird effectue la première démonstration publique d'une télévision.

Le premier test d'admission au collège SAT est donné aux élèves du secondaire.

Guerres de gazon de Chicago Al Capone

Ouverture du Holland Tunnel sous la rivière Hudson reliant New York au New Jersey en 1927.

En 1927, Charles Lindbergh fait voler le Spirit of St. Louis à travers l'Atlantique sans escale et en solo, directement de New York à Paris, en tant que premier vol transatlantique en solo.

Un séisme de 8,6 sur l'échelle de Richter frappe Xining en Chine en 1927, tuant 200 000 personnes

Les travaux commencent sur le mont Rushmore à la fin des années 1920 et sculptent les visages de George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt et Abraham Lincoln. Il faut près de 15 ans pour le terminer.

La grande inondation du Mississippi en 1927 affecte 700 000 personnes dans ce qui était alors considéré comme la plus grande catastrophe nationale de l'histoire des États-Unis.

Le massacre de la mine Columbine a lieu à Serene, Colorado en 1927

Studebaker 1929 Président Huit Roadster
Prix ​​De 1 589 $ à 1 895 $
Studebaker 1929 President Eight Roadster peut accueillir deux dans les sièges avant confortables et deux dans le Rumble, un moteur de 115 chevaux, des amortisseurs hydrauliques, des roues à rayons, une roue de secours et des pare-chocs s'ajoutent au prix. Fait partie de notre collection de vêtements pour enfants de la décennie

Jouets pour enfants des années 1920

Consultez les nouvelles pages de jouets où vous pouvez voir certains des jouets pour enfants que l'on pouvait trouver pendant les années folles et d'autres décennies. Les jouets incluent des ours en peluche, des vélocipèdes, des jouets bricoleurs, des gyroscopes et des lanternes magiques.
De la page de nos jouets des années vingt
Vous trouverez ci-dessous quelques exemples de voitures à pédales pour enfants, vous remarquerez dans l'annonce ci-dessous que les constructeurs de voitures à pédales n'ont pas tardé à imiter les voitures de l'époque.

Fait partie de notre collection de jouets des années 1920

Baignoire portative avec chauffe-eau

Beaucoup, sinon la plupart des maisons rurales dans les années vingt n'avaient pas de plomberie intérieure complète, c'était donc votre meilleure chance d'avoir un bain chaud, le chauffe-eau pourrait être un brûleur à essence ou à kérosène. Pour utiliser la baignoire, vous deviez d'abord remplir le réservoir avec de l'eau (contenu 12 gallons), allumez ensuite le brûleur et lorsque vous êtes prêt à remplir le bain, pour vider le bain, attachez le tuyau de 6 pieds de longueur à la sortie d'eau et vidangez par la fenêtre la plus proche.

Musique des années 1920

Le jazz était la musique de prédilection et certains des musiciens les plus connus étaient des musiciens de jazz, notamment Duke Ellington et Al Jolson. Un autre musicien/compositeur populaire était George Gershwin. Beaucoup de ses chansons sont encore enregistrées et écoutées aujourd'hui. Une danse populaire de l'époque était connue sous le nom de Charleston.


Les dépenses d'un atelier de misère typique — vers 1900 Prix ​​reçus du fabricant pour 300 manteaux : 225 $ Treize ouvriers de magasin juifs Trois opérateurs 15 $ chacun Trois poires 13,30 $ chacun Trois finisseurs 10,00 $ chacun Deux presseurs 12,00 $ chacun Un taille-bordures et boisseau (le patron lui-même) $17.00 Un égout à un bouton $9.00 Six travailleurs à domicile italiens pour faire l'abattage (couture de coutures plates) 2,00 $ chacun Loyer et frais divers : $9.00 Profit $38.10 Statistiques avec l'aimable autorisation du Lower East Side Tenement Museum

Expansion de l'industrie du vêtement

Entre les années 1870 et 1900, les industries du vêtement pour hommes et femmes sont rapidement devenues des secteurs matures et importants de l'économie américaine. La demande des consommateurs pour des vêtements moins chers a considérablement augmenté, les investissements en capital ont triplé et la main-d'œuvre est passée d'environ 120 000 à 206 000. La ville de New York a dominé l'industrie, produisant plus de 40 % de tous les vêtements de prêt-à-porter du pays.

Au début du 20e siècle, de nombreux fabricants de vêtements ont quitté New York, à la recherche d'une main-d'œuvre et d'installations de production moins chères. Dans les années 1920, Chicago et Rochester sont devenues des centres de l'industrie du vêtement pour hommes. Philadelphie, Baltimore, Boston, San Francisco et Cincinnati étaient des sites de production très actifs. Dans les années 1930, Los Angeles avait développé une industrie des vêtements de sport en plein essor. La production dans chacune de ces villes avait ses propres caractéristiques, mais toutes reposaient sur un mélange d'usines modernes, d'ateliers contractuels, de travailleurs à domicile et d'ateliers clandestins.

Les capes faisaient partie des premiers vêtements de prêt-à-porter féminins. Ils étaient faciles à produire car un ajustement exact n'était pas nécessaire. Dans les années 1910, les femmes pouvaient acheter une garde-robe complète de prêt-à-porter.

Une fois établie, l'industrie du vêtement pour femmes a rapidement dépassé celle des hommes en taille et en main-d'œuvre. Plus que les hommes, il a profité de la flexibilité supplémentaire de la production contractuelle pour répondre aux styles en constante évolution.


Lambris

La salle de peinture arbore des panneaux de lambris rénovés. Cette section de la pièce met en évidence la carrière d'illustrateur de Winslow Homer&rsquos.

Commun au tournant du XXe siècle, le placoplâtre a commencé comme une finition peu coûteuse et facile à installer pour les pièces informelles comme les cuisines, les plafonds de porche, les écuries et les gares. Le panneau de lambris (alias rainure et languette ou revêtement de voiture) était fabriqué à partir de morceaux de bois fraisés avec une fine crête ou une languette sur un bord et une rainure correspondante sur l'autre. Selon l'essence de bois (généralement pin ou sapin), vous pouvez choisir de teindre et de sceller, ou d'apprêter et de peindre votre plafond, ou de le finir avec de la gomme laque et du mdash orange.
un regard merveilleux sur le sapin.

Après la Première Guerre mondiale, des maisons de style néo-romantique d'influence européenne ont été construites dans les banlieues en pleine croissance. De nombreux murs et parfois le plafond ont été recouverts de plâtre rugueux ou texturé, pour donner une impression d'âge. Les plafonds n'étaient pas universellement monochromes à cette époque (comme ils l'étaient dans les maisons de style néo-colonial avant et après). En fait, il y avait un renouveau de la décoration des plafonds pour les maisons de style néo-espagnol et Beaux-Arts. Les coffres en bois, les teintures colorées, les décorations peintes et les pochoirs sur ou entre les poutres étaient tous des traitements populaires. Les maisons de style néo-Tudor avaient des plafonds avec de lourdes poutres,
ou avec du plâtre &ldquoJacobean&rdquo avec des sangles complexes.


Brillant & Nouveau

Ce n'est qu'à la fin du 19e siècle que les Américains moyens ont commencé à avoir ce que nous considérons maintenant comme des planchers de bois franc polis dans leurs maisons. Apparaissant d'abord dans les salles publiques et les cuisines, les planchers de bois franc finis se sont rapidement propagés aux chambres et autres espaces privés.

Parallèlement à la technologie qui a permis sa production de masse, les problèmes de mode et de santé ont créé une demande croissante pour les planchers de bois franc. Le renouveau du médiévisme, tel que promu par Charles Locke Eastlake et William Morris, et la fascination concomitante pour l'orientalisme et les arts décoratifs d'Asie et du Moyen-Orient, étaient un départ austère des riches influences néoclassiques, Renaissance et rococo qui avaient dominé les goût du siècle dernier.

Les planches récupérées aux tons variés rappellent la pratique de la fin du XIXe siècle consistant à alterner les espèces au sein d'un même étage.

Avec l'aimable autorisation des spécialistes de la châtaigne

Eastlake, dans son livre largement lu Conseils sur le goût des ménages, était un partisan influent des carpettes posées sur des planchers de bois franc. On croyait qu'il était plus sain, car les tapis, contrairement aux tapis cloués, pouvaient être retirés et battus. Eastlake a également promu l'utilisation de bordures de parquet en bois dur autour du périmètre de la pièce, avec du bois résineux moins cher, recouvert de tapis, au centre. Cela a donné l'apparence d'un étage haut de gamme avec un prix beaucoup plus bas, car les propriétaires n'ont déboursé que pour la frontière de fantaisie. Les fabricants de tapis ont également tiré parti de cette tendance en créant des bordures pour leurs produits et en imitant les motifs de tapis orientaux dans leurs lignes, leur permettant d'obtenir l'apparence de tapis importés tissés à la main coûteux pour une fraction du coût.

Les planchers de bois franc de cette période étaient généralement en chêne blanc, en châtaignier, en érable ou en noyer noir fraisés en planches de 2&Prime- à 3&Prime de largeur. L'érable était populaire dans les cuisines en raison de sa force et de sa résilience, car il n'avait pas de pores ouverts qui pourraient absorber les déversements. Vers les années 1870 et 1880, il n'était pas rare de trouver dans les salles publiques des sols posés en alternance de lamelles de noyer et d'érable. Vers le tournant du siècle, le sapin est devenu le bois de prédilection, d'abord dans les cuisines, mais s'est ensuite glissé dans d'autres pièces.

L'utilisation d'un revêtement de sol à planches larges peut aider un nouvel ajout à se fondre dans une vieille maison.

Avec l'aimable autorisation de Hull Forest Products

L'installation était encore beaucoup plus laborieuse qu'elle ne l'est aujourd'hui avant l'avènement de la ponceuse électrique, les planchers de bois devaient être grattés à la main. Ceux-ci ont été finis avec des couches de gomme laque orange puis cirés. Fait intéressant, cela a été considéré comme une finition d'entretien lorsqu'il était abîmé ou usé, la gomme laque a été nettoyée puis réappliquée & mdasha approche très différente qu'au tournant du siècle et plus tard, lorsque les surfaces vernies (et plus tard, polyuréthane) devaient être poncées jusqu'à la bois nu. Les planchers de bois n'étaient généralement pas tachés, ceux d'époque que vous voyez ont un vernis assombri.

Les planchers de bois franc sont restés populaires jusqu'au milieu du XXe siècle, date à laquelle les matériaux manufacturés sont devenus synonymes de modernisme et le bois est tombé en disgrâce. Mais les renaissances victoriennes et artisanales de la fin du 20e siècle ont vu un regain d'intérêt pour les planchers de bois franc, ainsi que l'utilisation de bois récupéré pour reproduire les premiers planchers. Indépendamment des caprices de la mode, les planchers de bois ont conservé leur attrait durable, en particulier pour ceux qui habitent dans des maisons anciennes.


Voir la vidéo: Comment sont élus les députés européens?